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Luar Na Lubre – Mar Maior (2012)

PORTADA:MAR_MAIOR_LUAR_NA_LUBRE

Un grupo que escucho hace tiempo y que hoy descubro en un nuevo disco y nuevas voces.

Luar na Lubre es un grupo gallego de música folk, nacido en 1986 en la ciudad de La Coruña y encuadrado en la corriente que ha dado en llamarse “música celta”. Luar significa en gallego “resplandor de la luna”; lubre puede traducirse como “bosque sagrado donde los druidas celtas hacían sus rituales”

Entre los instrumentos que el grupo emplea se encuentran la gaita gallega, la gaita midi, el acordeón diatónico, el violín, flautas y whistles, la guitarra acústica, ocasionalmente la eléctrica, el bouzouki, la pandereta o el bodhrán. Su vocalista es, desde finales de 2011, la coruñesa Paula Rey Torreiro.

La música de Luar na Lubre se basa fundamentalmente en el folklore de Galicia, aunque está también muy influída por la de las regiones consideradas de tradición “celta” (Irlanda, Escocia, Bretaña) en línea con la corriente celtista de muchos grupos folk gallegos. Esta actitud posee defensores y detractores: los primeros aplauden la gran internacionalización que la música de Galicia ha logrado con ello y defienden además que Galicia posee lazos históricos, geográficos o de solidaridad lingüístico-cultural con esas otras regiones del Atlántico europeo; los segundos critican que lo “celta” sustituye el carácter de la música tradicional gallega por una estética de inspiración irlandesa y escocesa, bastante diferente, propiciando fuera de Galicia la identificación errónea de dicha fusión desvirtuada con un estilo de folk más genuinamente gallego (como podría ser el de Milladoiro o Fuxan los Ventos).

Su estilo ha evolucionado notablemente con los años, adquiriendo con el tiempo una gran sofisticación. En 1996 el músico británico Mike Oldfieldincluyó una adaptación del tema O Son do Ar en su álbum Voyager e invitó al grupo a su gira mundial, lo que otorgó a Luar Na Lubre cierta fama internacional. En 2003 compusieron el tema Memoria da noite en alusión al hundimiento del Prestige. (Fuente: Wikipedia)

luar-na-lubre41145Es destacable también la incorporación de la nueva voz del grupo. Tras la estela de Ana Espinosa y Rosa Cedrón, llega la dulce y personal voz de la lisboeta Sara Vidal, que confirma un aporte de frescura y nitidez a la nueva etapa de la banda; con la que ya lleva desde su incorporación en el año 2005, 4 CDs como vocalista: “Saudade”, “Camiños da fin da terra”, “Ao vivo” y “Solsticio”.
12 trabajos discográficos, 9 de ellos editados por Warner España, más de 300.000 discos vendidos, 2 discos de oro, 9 Premios de la Música y 1.000 conciertos en más de 23 países confirman a Luar Na Lubre como la propuesta musical más consistente y estable de Galicia.

El año 2011, Luar Na Lubre es embajador musical de su tierra realizando más de 35 conciertos y llevando la marca “Galicia” por los mejores teatros y festivales del estado con un éxito más que notable.

La banda reemprende una nueva etapa en la que presentará por diversos escenarios a Paula Rey, la nueva voz que sustituye a la de la lisboeta Sara Vidal, una voz cargada de matices y de energía que combinada con la riqueza instrumental y estilística de la banda, no dejará indiferente a nadie.

La música medieval tiene en “Mar Maior” (Warner Music Spain), un importante protagonismo, sobre todo la galaico portuguesa, aunque también están presentes las músicas tradicionales gallegas y atlánticas, así como las composiciones propias que ayudan a elaborar una banda sonora inspirada en el Leabhar Ghabhala Eireann o Libro de las Invasiones de Irlanda, escrito por los monjes irlandeses en el siglo XII, siendo un libro de referencia de su historia, y que coincide con la época de máximo esplendor de la lírica galaico portuguesa. Un trabajo que recorre los viejos lazos de unión de Galicia con la verde Irlanda. (Fuente reseña y link: http://gps-sonoro.blogspot.com)

Tracklist:

01. A Invocación De Amergín
02. Romance De Novembro
03. Ith
04. Camino De Caión
05. Gran Sol
06. Dona Alda
07. Santa María Loei
08. Leabhar Ghabhála
09. Mandad’ei Comigo
10. Ao Pasar Pola Coruña
11. Milesians
12. Canto De Arada
13. Les Sets Gotxs
14. Camiña Don Sancho

Amparanoia – Rebeldía con Alegría (2004)

Siguiendo con las celebraciones cumpleañeras del blog y para animar un poco la cosa, un disco que me gusta mucho porque es bien alegre. Compañero de mis salidas cicleteras nocturnas con Felipe. Un disco para la previa a la fiesta o para asear la casa. Vitamina pura y a la vena.

A veces una brisa suave, otras un huracán. Seguirá caminando aunque le duela.  Amparanoïa es una banda paranoica-crítica-festiva liderada por la capitana granadina Amparo Sanchez. La paranoia de Amparo es la música y sus discos dan la impresión de que todas las músicas la están persiguiendo.

Amparo viaja a menudo con rumba, pero puede dar un paseo por los balkanes y la música tzigane o rebotar en dirección del rai sin avisar, pasa del rock más rebelde a una cumbia colombiana, para luego atravesar un paisaje latin-jazz con subidas electrónicas.
La crítica nace de su ojo atento y de su corazón siempre abierto. Cuando le duele, lo dice y no se corta ni un pelo. En su último disco, Amparo coge la bandera de los nadies, arma la pistola para las mujeres indefensas, abre nuestras ventanas sobre Chiapas, destruye las barreras y quema los papeles para un mundo sin fronteras. Amparo sigue luchando con sus ilusiones y rinde un homenaje a los que no se rinden.

” Si no hubiera nada que reivindicar sería estupendo, pero falta mucho para eso “. Amparo no está de acuerdo y lo dice.

Amparo es ojo y corazón pero sobre todo fiesta. Es en la música y a través de ella que ha decidido luchar para un mundo más justo. Su música nos da energía y emociones. Nutrida de blues, jazz, rock n’roll y soul, Amparo Sánchez seguía desde los 16 años, las huellas de Billie Holliday de escena en escena desde Granada a Madrid pasando por Marsella (Francia) y Essaouira (Marruecos) hasta que pateando los garitos de Madrid se topó en 1995 con la (gran) familia Chao. Amparo ya lo sabía todo sobre la música y los escenarios, pero el encuentro con Manu Chao y toda su banda, le propició una infinidad de mezclas de influencias musicales y de encuentros. Con Robert Johnson y Piluka, Amparo tocaba entonces por las tabernas y los clubs más movidos de la escena alternativa madrileña. Llamados Amparos del Blues, el grupo empezó a rodar el Poder del Machín en los garitos y las salas de Malasaña : El Tesoro, El Tio Vinagre o La Boca del Lobo. A mediados de 1997, con el primer disco grabado (El Poder del Machin) y bajo el nombre de Amparanoïa, se montarón al autobus de La Caravane des Quartiers con Manu y los compas de Barcelona : Dani Carbonell, Joan Garriga de Dusminguet y Muñeco, entre otros.

1997 fue un año clave para Amparo ; sus posteriores giras y festivales dieron a su grupo una fama de grupo ya consolidadado dentro del panorama alternativo español. Subida en un escenario, embarazada de 8 meses, Amparo impresionó a más de uno. En 1998, sale Feria Furiosa, con clara influencia cubana y la colaboración de los amigos del bus y de toda la escena alternativa : colaborán Manu Chao y Gambit, JuanLu y Juan Garriga, Dani Mono Loco, los hermanos Muguruza, Tonino, Huajolote, Mucho Muchacho. El ambiente familiar y la atención de Monique y Nadine permiten lograr un disco muy festivo y especial. ” Un lujo de disco ” como le gusta recordar.

El 2000 marca un giro en la vida emocional de Amparo. A finales del 2000, viaja a Mexico y se queda impresionada por la sinceridad de la lucha zapatista y la poesia y simplicidad de su portavoz. A su vuelta, decide reunir a varios amigos en un Sound System para recaudar fondos para Chiapas. Se apuntan Dani Carbonell, Joan Garriga, Muñeco, Wagner Pa, Beto Bedoya, Tomas, Antonio y Shankirta de Undrop. Del Suristan al Diapason, Del Juglar a la Casa Babylon, la exposición de fotos de Yuriria Pantoja acompaña al Sound System Para La Realidad en estas salas de Barcelona, Madrid y Valladolid. Amparo se sube en Enero de 2001 a La Caravana de la Marcha Zapatista sobre DF y aprovecha su viaje para dar a la comunidad ” La Realidad ” en Chiapas, la integridad de los fondos recaudados durante esta sorprendente gira improvisada. De la palabra al hecho.

De vuelta de Chiapas, se apoya sobre un colectivo de músicos experimentados, cuatro cubanos entre los cuales el fiel compañero de Camaguëy, Muñeco, y un bulgaro para preparar su vuelta a los escenarios y ensaya Somos Viento. Una gira de presentación de este albúm empezó el 28 de febrero en Madrid y acabará el 13 de abril en la sala Bikini de Barcelona.

” Somos Viento ” nos trae la mejor Amparo, llena de rabia y de mensajes, con ganas de fiesta y abriendo ojos. Amparo es viento y como el viento puede soplar con la fuerza de una tormenta de arena o con el calor del sirocco.
Amparo es viento y como el viento se nutre de los lugares por donde camina.
Amparo es viento y como el viento, se lleva un trocito de cada persona que cruce su camino.
Amparo es viento y como el viento, vehicula olores, colores y sonidos.

Cuando uno acerca una concha a la oreja pensando escuchar el viento no sabe que son las pulsasiones de su propio corazón lo que se escucha. Amparanoïa es puro corazón. (Fuente reseña: http://www.radiochango.com).

Tracklist:

1. Mar Estrecho
2. Somos Viento
3. Don`t Leave me Now (by Calexico)
4. Ella Baila Bembe
5. Dolor, Dolor
6. Hacer Dinero
7. La Fiesta
8. Caravane
9. 2 gardenias
10. Si fuera
11. Trabajar
12. Buen Rollito
13. Pueblo Joven
14. Alerta (Oro negro)
15. Pregonando (War is Not the Solution)

Javier Corcobado – A nadie (2009)

¿Por qué estoy tan triste teniéndolo todo?, nos canta este señor, con estilo muy Kevin Johansen. Para los que nos  hemos hecho esta pregunta alguna vez, la invitación a escuchar el resto del disco está hecha. Digamos que no se trata de una gran voz, pero el tono intimista y letras a veces irreverentes termina imponiéndose.  Un grato descubrimiento, ideal para lucirse con los amigos después de varias botellas de vino.

Javier Corcobado es un músico, poeta y novelista nacido en Fráncfort del Meno, Alemania el 30 de julio de 1963, hijo de emigrantes españoles y criado en Madrid.

Es conocido como el duque del ruido y tenido por la crítica mucho tiempo como el príncipe del underground en España. En los años ochenta comienza su carrera con grupos arriesgados como 429 Engaños, con el cual graba una maqueta de mala calidad; Mar Otra Vez, en donde graba sus primeros LP’s, ahora material de culto en España y México; Demonios tus ojos, con los que graba un disco homónimo. Demonios tus ojos fueron teloneros de Sonic Youth, para después disolverse.

En 1989, saca su primer disco en solitario, Agrio Beso, caracterizado por la experimentación y los toques vanguardistas, así como la canción melódica. En este año edita su primer poemario “Chatarra de Sangre y Cielo”.

De 1991 a 1995 sacaría tres discos con la banda Corcobado y Los Chatarreros de Sangre y Cielo.

Entre noviembre de 2007 y enero de 2009, escribe su tercer libro de poesia, Cartas a una revista pornográfica viuda editado porArrebato Libros. Lo inició en Almería, y fue completando luego en México D.F., Madrid y Bilbao. “La mayoría de los poemas están compuestos en cafeterías, aviones, trenes, autobuses y parques”, asegura el autor en la nota promocional enviada por su editorial. (Fuente: Wikipedia).

Tracklist:

1.A nadie
2.¿Por qué estoy tan triste?
3.La canción del viento
4.En el coño del mar
5.Soy un niño
6.El futuro se desvaneció ayer
7.Hoy no voy a cantar ninguna canción de amor
8.Caballitos de anís
9.Si te matas
10.François de vacaciones
11.Resurrección

Varios artistas – Buenaventura Durruti (Homenaje a Durruti)

Hay discos que uno cree que no los va a volver a escuchar jamás, y esa nostalgia produce una suerte de angustia. El disco me lo prestó Gastón hace varios años atrás, una verdadera joya, quizás intuía que yo lo recuperaría para siempre. Se trata de un exquisito homenaje a Durruti, el más importante anarquista español.

Buenaventura Durruti nace en León, el catorce de julio de 1896, siendo el segundo de los ocho hijos del matrimonio entre Santiago Durruti, un trabajador ferroviario, y Anastasia Dumange. Santa Ana, el barrio donde vive desde pequeño, es un lugar modesto, de casas pequeñas y viejas habitadas por los obreros de la ciudad. Hasta los ocho años de edad asiste a la escuela de la calle de la Misericordia.

A raíz de la huelga de curtidores de León en 1903, que se prolongó por nueve meses, la familia de Buenaventura Durruti se ve económicamente muy golpeada, por lo que Durruti pasa a la modesta escuela de Ricardo Fanjul. A los catorce años abandona los estudios y se hace mecánico bajo la tutela de Melchor Martínez, un socialista que tenía en León cierta fama de revolucionario. Durante dos años, Melchor Martínez le enseña todo lo que sabe sobre mecánica y socialismo; cuando no tiene más que aprender, Durruti se traslada al taller de Antonio Mijé y se especializa en el montaje de lavadoras mecánicas para lavar los minerales extraídos de las minas.

En 1912, siendo mecánico, se afilia por influencia de su padre y de Melchor Martínez a la Unión de Metalúrgicos, asociación adscrita a laUnión General de Trabajadores, pero pronto deja de sentirse atraído por lo que considera un socialismo moderado. Después de abandonar el trabajo de mecánico, Durruti trabaja como montador de lavaderos de carbón, en la ciudad de Matallana; durante la instalación de uno de los lavaderos se envuelve en una rencilla con los obreros, quienes buscaban la destitución de uno de los ingenieros de aquella empresa. El ingeniero es despedido y Durruti, al regresar a León, se percata de que la Guardia Civil lo vigila.

Participó en la huelga general revolucionaria de 1917 como militante de la UGT, de la que sería expulsado por defender posiciones revolucionarias. Se trasladó en 1920 a Barcelona, donde se afilió a la CNT. En 1922 formó junto con Joan García Oliver, Francisco Ascaso y Ricardo Sanz el grupo «Los Solidarios», con el que perpetró un atraco al Banco de España de Gijón en 1923. Se le imputó también el asesinato del cardenal Juan Soldevila y Romero, uno de los principales financiadores en Aragón de los comandos de pistoleros blancos de la patronal, que asesinaban a militantes obreros destacados. Tuvo que huir a Argentina y luego a Chile, donde, junto a compañeros anarquistas, lleva a cabo el primer asalto en ese país. El atraco es parte de una campaña para juntar recursos a fin de liberar a compañeros que se encontraban en algunas cárceles de España. Continuó luego su paso por otros países latinoamericanos y europeos. En Francia es encarcelado junto a Francisco Ascaso y Gregorio Jover por su participación en las actividades revolucionarias en España, por lo cual comienza una gran campaña internacional a favor de su amnistía que concluye con la liberación de los 3 presos anarquistas.

En 1931 volvió a España, y se integró en el sector faísta (próximo a la FAI) de la CNT —beligerante con la II República— y tomó parte en las insurrecciones de Figols 1932 y 1933. A consecuencia de ellos, fue deportado por el gobierno republicano, como preso preventivo junto a otros anarcosindicalistas a Guinea Ecuatorial y Canarias, en el barco mercante Buenos Aires.

Durante todo el periodo republicano participa activamente en huelgas, mítines y conferencias por todo el territorio nacional, pasando numerosas veces por la cárcel.

Al estallar la Guerra Civil en 1936 fue uno de los principales protagonistas de los sucesos revolucionarios de julio, formando parte del grupo «Nosotros» (sucesores de «Los Solidarios») y de la dirección en la defensa de la ciudad de Barcelona, donde falleció su compañero de toda la vida Francisco Ascaso en los enfrentamientos callejeros con los sublevados. El 20 de julio, ya derrotado el alzamiento en Barcelona y siendo la CNT la dueña de la situación, sobre todo tras apoderarse del parque de Artillería de San Andrés, sus principales dirigentes tuvieron una entrevista con el presidente de la Generalidad catalana, Lluís Companys. En una segunda entrevista al día siguiente, después del pleno de Federaciones locales de la CNT, Durruti junto con otros principales dirigentes de la CNT propusieron nombrar un Comité Central de Milicias Antifascistas de Cataluña, siendo aceptado por las restantes organizaciones. Este comité (formado por libertarios, republicanos nacionalistas y marxistas) se convirtió en el verdadero poder en Cataluña, ratificando la Generalidad posteriormente lo que se decidía. Cansado de las disputas internas, y el desgaste debido al hecho de encontrarse en una guerra civil, del Comité de Milicias Antifascistas (de la cual era jefe del departamento de transportes), decidió pasar al frente con el bando republicano, empezando por liberar de los sublevados Zaragoza, otro gran núcleo urbano anarquista tras Barcelona. Se formó entonces la famosa Columna Durruti, que tomó rumbo a Zaragoza.

A la columna se le negó el suministro de armas, artillería, etcétera, por parte de los agentes comunistas, por lo que tuvo que limitarse a tomar todos los pueblos por donde pasaba. En ellos los campesinos se veían libres para hacer la revolución: los terratenientes eran expropiados de sus tierras, las cuales eran colectivizadas, se abolía la propiedad privada y se instauraba el comunismo libertario. En noviembre de aquel año marchó a Madrid con su columna a contener la ofensiva de las tropas sublevadas.

Aproximadamente a la una de la tarde del 19 de noviembre de 1936 (en plena Batalla de la Ciudad Universitaria de Madrid), en la calle Isaac Peral, menos de dos horas después de haber sido entrevistado en la calle en Madrid para el noticiario filmado del PCUS, Durruti es herido en el pecho por una bala de extraña procedencia; en grave estado, es llevado al Hotel Ritz, sede del hospital de sangre de las milicias catalanas, donde muere al día siguiente a las cuatro de la mañana. La autopsia reveló que el deceso de Durruti se debió a los destrozos causados por una bala calibre nueve largo, la cual penetró el tórax y lesionó importantes vísceras. Su cuerpo fue entregado a los servicios especializados del Municipio de Madrid para ser sometido a un proceso de embalsamamiento, ya que sería trasladado y enterrado en Barcelona. Su deceso es ocultado a la población con el fin de evitar desánimos.

La muerte de Durruti ocurrió en oscuras circunstancias que han propiciado la aparición de diversas hipótesis para explicar su deceso. Según la CNT, escuetamente fue una «bala fascista». Las emisoras de radio de la zona nacional les atribuyeron el hecho a los comunistas, quienes a su vez aseguraron que el atentado había sido ocasionado portrotskistas o hasta por los mismos anarquistas debido al enfrentamiento de éste con su propia dirección. Se ha dicho también que fue víctima de unos ladrones que él mismo intentaba detener. También se asegura que fue un disparo salido de su propia arma: algunos afirman que se le cayó su fusil ametrallador, mientras que otros aseguran que Durruti sólo portaba un Colt 45. (Fuente: Wikipedia).

Tracklist:

1 - Héritage (Buenaventura Durruti)
2 - Canto para un Pájaro (Tony Hymas, d’après une chanson populaire-Abel Paz)
3 - ¡Ya basta ! (Subcomandante Marcos)
4 - ¡Basta ya ! (chanson populaire des Caraïbes arr. par A. Yupanqui)
5 - ¡Vivan las utopias ! (Bernard Vitet - Jean-Jacques Birgé)
6 - El paso del Ebro (chant trad. arr. par Henry Lowther)
7 - Durruti no ha muerto (Siguiriya adaptée par Carmen Alvarez - Paco Narvaez - El Roto)
8 - Despedida (Improvisation autour de Hijos del Pueblo par Benoît Delbecq - Hélène Labarrière - Carol Robinson / Federico Garcia Lorca)
9 - Hijos del pueblo (chant anarchiste espagnol)
10 - A las Barricadas (chant populaire arr. par Jean Méreu et Jean-Luc Cappozo)
11 - Los nosotros (Steve Argüelles)
12 - Los Solidarios (Tony Hymas - Alfred Cat)
13 - “...Mientras yo hablo con vos” (Evan Parker - Agusti Fernandez - Durruti - César Vallejo - Ilya Grigorevitch Ehrenburg)
14 - Walk (They shall not pass) (Noël Akchoté)
15 - Ascaso (Rafael Beltrán Logroño - Dave Green)
16 - Buenaventura Durruti (chant anonyme arr. par Tony Coe)
17 - Lau Sasu / Abiatze (air trad. basque - Michel Etchecopar)
18 - Lettre du Front Farlete, le 30 octobre 1936 (Sall Mohamed - Alla et Benoît Delbecq)	  	

cd2
1 - La Vida de la Columna (chanson trad. arr. par Tony Hymas et Hélène Labarrière / Durruti - éditions musicales nato)
2 - Durruti - Zapata (Steve Argüelles - Mauro Bajatierra)
3 - Los cuatro Generales / Muleros (chant trad. recueilli et harmonisé par Federico Garcia Lorca, arr. par N. Akchoté)
4 - Toujours (Dominique Pifarely - François Couturier)
5 - Cancíon de Montjuich (chant anonyme)
6 - Les barricades mystérieuses (Stéphane Ollivier - Benoît Delbecq)
7 - ¡Vivan las utopias! (Jean-Jacques Birgé-Bernard Vitet)
8 - Rappel : Congrès de la CNT mai 1936 (Buenaventura Durruti)
9 - Buenaventura (Guillaume Orti)
10 - Memorias del olvido (Jean-François Pauvros / éditions musicales nato)
11 - Eric Blair, october 1937 (George Orwell - chants : Canción de Montjuich et chants des mineurs d’Asturies)
12 - La Traición de los Segadores y la Arena francesa (Sylvain Kassap - Didier Petit avec réf. A Hímno de Riego et El Segadors - témoignages de Jesús Guillén et Miguel Celma)
13 - Angels (from Guernica) (Albert Ayler)
14 - Free (Philippe Carles - Jean-Louis Comolli)
15 - Donde están ustedes (Los hombres de la Columna Durruti en el Campo de Vernet) (Hélène Labarrière - Tony Hymas - Buenaventura Durruti)
16 - Gorets (danse basque de Michel Etchecopar)
17 - Testamento de Durruti (Lucía Sánchez Saornil - Raymond Boni)
18 - Post Scriptum (Emilio Prados - Hélène Labarrière)

Nubla – Voayeur (2005)

Luego de un receso forzoso, les traigo un disco que descubrí recién. No he terminado de escucharlo pero me parece que cumple plenamente con el perfil del blog: sonidos modernos, mixturas, y una voz cautivante.

“Nubla, pseudónimo de Luciana Carlevaro, es una de las artistas surgidas del prolífico fenómeno del mestizaje barcelonés. En concreto, su mezcla, presentada en Voayeur (su álbum de debut, publicado en 2005) se mueve entre el pop, el hip hop, el trip hop, la electrónica y el flamenco.

Acompañado de esas bases rítmicas a lo Porstishead que tan bien le quedan, Nubla crea y escribe melodías y letras pegadizas. Su portentosa voz demuestra una gran versatilidad y una extensa variedad de registros, en concordancia con sus canciones: a veces es sensual (“Tigresa”), a veces dulce (“Japan”), a veces más brillante (“Al agua”) y a veces más oscura (“Nube negrita” – espléndida, por cierto).
Los 10 temas de Voayeur son un soplo de aire fresco al panorama nacional, tratando un estilo poco cultivado en nuestro país, importado directamente de la década de los 90 inglesa y adaptándolo a un acento cercano al flamenco. Sin embargo, donde mejor funciona la propuesta de Nubla es en las canciones que van un poco más allá: la increíble “Malquerida” (en el que incorpora un piano de lo más jazz), “Tiembla el Sol” (con un ritmo tan contagioso como su estribillo) y “Cayéndose” (con unos coros totalmente hipnóticos) son los puntos más álgidos de este disco lleno de detalles.
Voayeur no defrauda en ningún momento. Nubla nos entrega una propuesta original y cautivadora que logra mantenernos expectantes a todos sus movimientos, a la canción que sigue, a una frase, a un estribillo. Y eso lo consiguen pocos – muy pocos.” (Fuente: whiskyontherocks. Fuente publicación y link descarga: http://elblogdelaardillaroja.wordpress.com/).
Tracklist:
Malquerida 4:25
Nube Negrita 3:39
Al Agua 3:16
Cayendose 4:16
Agujitas 4:14
Casi Sola 4:56
Tiembla el Sol 3:54
Tigresa 3:17
Siete Lenguas 3:34
Japan 3:18

Cyan – Historias Para No Romperse (2011)

A este disco llegué de pura curiosidad de tanto leer comentarios sobre el que muchos llaman el mejor grupo español del momento.  Es pop-rock de muy buena factura.

Desde Barcelona, Javi Fernández, Gorka Dresbaj, Jordi Navarro, Sebastian Limongi y Antonio Lara, funcionan como grupo desde 2006. Tras haber compartido otros proyectos musicales y comprobar que tenían una misma visión de la música, comenzaron a componer y a definir su propio estilo. Después, vino el nombre que los agruparía: Cyan.

De esos encuentros, comenzaron a salir las primeras canciones, pero sobre todo, fueron el punto de partida de un acuerdo común: compartir la necesidad de hacer canciones, de sentirse vivos con ello, siempre con la premisa de cuidar las canciones llegando al detalle.

Ahora, cuando tienes en tus manos, su segundo disco “Historias Para No Romperse”, es cuando estás invitado a descubrir un mundo musical nuevo. También para los propios Cyan que son conscientes del paso de gigante que han dado con su nuevo trabajo.

Ellos mismos se encargan de las grabaciones y de las mezclas, pero para “Historias Para No Romperse” decidieron incluir una visión externa que les acompañase en la producción, el pianista y compositor Jazz, José Reinoso. Con él, cada una de las canciones ha sido vestida o desnudada varias veces con guitarras acústicas, sintetizadores, guitarras limpias o con distorsión. Incluso violonchelos, trompetas o bandoneones, pero siempre bajo la premisa de encontrar el lugar natural de la canción.

Así, Cyan han cerrado diez canciones de pop rock enérgico, que te pueden recordar a bandas que  como Zoé, Phoenix, Arcade Fire o The Helio Sequence. Pero cuando completes la escucha de “Historias Para No Romperse” encontrarás fácilmente la esencia de Cyan, una banda de verdad y que sus únicos principios son las propias canciones.

De sus textos extraemos reflexiones sobre el no abandono completo de la infancia y pasajes acerca de las relaciones humanas. Así, “Esos niños” trata la lenta transformación que puede sufrir un individuo al amedrentarse con la cotidianidad y el paso del tiempo; “Congelados por la estela”, inspirada en la película “Where the Wild Things Are” es un emblema del discurso y la filosofía del disco; como dice Javi Fernández “cuantas veces había pensado que mis sábanas estaban blindadas y que que podían protegerme de cualquier cosa; cuantas veces me había dado miedo sacar un pie de la cama por si salía algo por debajo y se llevaba el pie y a mí entero..” En definitiva, esas sensaciones e ideas fantásticas, esa creatividad que con el tiempo y la apisonadora realidad se va mermando.. eso es lo que Cyan evitan con sus canciones.

“Historias Para No Romperse” está ya emprendiendo el viaje hacia el público y Cyan está ansioso por darlo a conocer en directo. Será a partir de febrero del 2011 cuando los tendremos en los escenarios.

Cyan son Javi Fernández (voz, guitarra, piano), Gorka Dresbaj (guitarra), Jordi Navarro (guitarra), Sebastian Limongi (batería) y Antonio Lara Muñoz (bajo). (Fuente reseña: http://mentesynquietas.wordpress.com)

Tracklist:

1.Turistas heridos
2.Te deslizas
3.Esos ninos
4.Las cenizas del verano
5.En mi nave
6.Volando electrico
7.Para destriparme
8.Congelados por la estela
9.Estrella mutilada
10.Mecanismos nocivos

Enrique Morente & Lagartija Nick – Omega (1996)

Recientemente fallecido, Enrique Morente enlutó a todo el cante flamenco. Acá, el disco más brillante de su carrera según los entendidos. Flamenco + Rock progresivo, y a sus años. Un disco que vale la pena escuchar.

Como el Picasso al que homenajea en uno de sus últimos discos –Pablo de Málaga (Discos Probeticos, 2008)- con la revolución que supuso su cubismo en la pintura, Enrique Morente (1942-2010) demostró que conocía y dominaba totalmente el flamenco de los puristas antes de renovar profundamente este arte recientemente reconocido por la Unesco como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.

Morente estaba considerado como uno de los grandes renovadores del flamenco y, a la vez, como uno de los más grandes y brillantes cantaores de todos los tiempos, a la altura de uno de sus grandes amigos, el desaparecido hace casi 20 años Camarón de la Isla, al que admiraba profundamente -“Siempre mi admiración, en vida y muerte, hacia Camarón”, decía en una entrevista en 2010 en El Mundo-.

El cantaor granaíno ahora también nos deja huérfanos. Pero nos deja un legado inconmensurable, el de ser uno de los pioneros en cantar a los poetas y el mejor en adaptar poemas cultos (Federico García Lorca, Miguel Hernández, los hermanos Machado, Rafael Alberti…), la fusión del cante jondo con el rock, la música árabe o la latinoamericana, en definitiva, el combinar su conocimiento de la tradición ortodoxa con una inquietud investigadora que lo hizo ser uno de los máximos responsables de la renovación del cante.

Su contribución al arte flamenco ha sido reconocida en vida con numerosos premios, entre ellos el Premio Nacional de Música en 1994, convirtiéndose en elprimer artista flamenco en lograrlo, o la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

Sus comienzos

Enrique Morente nació en el barrio del Albaicín un día de Navidad de 1942, a la sombra de una Alhambra que ha sido lo primero que veía cuando se levantaba durante años desde su casa en el barrio con más solera de Granada. Allí fue donde empezó ainteresarse por el ambiente flamenco en las reuniones vecinales y de oír el canto de su madre. Aunque ella no era cantaora, “de su voz viene todo”, afirmaba en otra entrevista en 2009 en El País.

De niño formó parte del grupo de seises de la Catedral de Granada y, ya de adolescente, no se pudo reprimir el afán de aprendizaje que le guió toda su vida. Así, según la biografía de su página web oficial, con 14 ó 15 años se marcha a Madrid, donde contacta con un grupo de jóvenes aficionados universitarios con los que acudía a garitos oscuros en los que aprendió el arte flamenco de la mano de Pepe de la Matrona, un cantaor octogenario que conoció a todos los grandes y fue alumno de Antonio Chacón.

Se le empezó a conocer como Enrique el granaíno y bajo este nombre es contratado a mediados de los años 60 en tablaos como Las Cuevas de Nemesio y Zambra, cátedra flamencológica donde crece su prestigio entre los profesionales flamencos. Se codea con artistas de la talla de Manolo de Huelva, Manolo Caracol, Bernardo el de los Lobitos y Juan Varea y, posteriormente, también es contratado en el recién abierto Café de Chinitas de Madrid, tablao que tomó el nombre del mítico café cantante de Málaga que Lorca inmortalizó en sus versos.

En 1966 realizó una gira por Europa con el grupo de Susana y José y por Japón e Italia con el de Pepita Saracena y José Luis Rodríguez.

Primeros discos y premios

En 1967 obtiene el primer premio del Certamen Málaga Cantaora y ese mismo año publica su primer disco, Cante Flamenco, acompañado por Félix de Utrera, en el quedemuestra su dominio del flamenco al introducir palos difíciles y que no eran nada habituales en la época y menos para un joven de 25 años, como cañas y mirabrás, además de cantos de Frasquito Hierbabuena y cantes de Pedro “El Morato”. Por este trabajo recibiría una mención especial de la Cátedra de Flamencología en 1968.

Su saber lo vuelve a demostrar con su segundo disco ese mismo año, Cantes antiguos del flamenco, otro trabajo absolutamente ortodoxo, con el acompañamiento del Niño Ricardo, que contenía malagueñas de Chacón, peteneras, tarantas de Almería, martinete y toná, entre otros cantes.

En 1970, su camino profesional se cruza con el del guitarrista Manolo Sanlúcar, con el que hizo la primera pareja flamenca que actuó en el Ateneo de Madrid y junto al que inició una fructífera relación profesional durante años y con el que realizó una serie de recitales flamencos en Nueva York en 1972.

Su gira por México en 1971, con la guitarra de Parrilla de Jérez y la bailaora Ana Parrilla, marcaría profundamente su carrera. “A mí, cuando me preguntan donde aprendí a cantar tengo que decir en México. La inspiración la aprendí a dominar en México y el cante sin inspiración no es nada. Cuando verdaderamente puedes decir que aprendes a cantar es cuando dominas la inspiración, el duende, el sentimiento, el pellizco…”, afirmaba el cantaor en Rock de Lux en 2010. Allí empezó a leer a Federico García Lorca y a Miguel Hernández y conoció a importantes intelectuales, como Juan Rulfo.

Las primeras coplas basadas en versos

En 1971, con su tercer disco, Homenaje flamenco a Miguel Hernández, empieza a crear su estilo propio y a adaptar como nadie a las coplas los versos de los grandes poetas de la literatura española, lo que sería una constante en su carrera musical: San Juan de la Cruz, Federico García Lorca, Rafael Alberti, Antonio Machado, Lope de Vega, Fray Luis de León, Nicolás Guillén…

En 1972 fue reconocido con el Premio Nacional de Cante de la Cátedra de Flamencología y Estudios Folklóricos Andaluces de Jerez de la Frontera y en 1978 recibió el Premio Nacional de Música Popular por Homenaje a Don Antonio Chacón(1977), con el que volvería al cante puro y que es una referencia obligada entre los aficionados y los jóvenes artistas flamencos.

En 1980 inició una serie de recitales “mano a mano” con Camarón, el primero de ellos en el Frontón de Madrid.

En la segunda mitad de la década de los setenta, Morente empieza a participar en distintos montajes, como el de La Celestina Obsesión, estrenado por el Ballet Nacional de Canadá, ambos con el pianista Antonio Robledo y la bailaora suiza Susana Audeoud. En 1981 estrena en Granada su espectáculo musical Andalucía hoy, que viajaría a París y a otras ciudades, y en 1986 estrenó en el Teatro Real de MadridFantasía del cante jondo para voz flamenca y orquesta, junto a Juan Habichuela, Gerardo Núñez y la Orquesta Sinfónica de Madrid.

En 1988 pondría en escena en Granada una de sus experiencias artísticas más originales, el espectáculo El loco romántico, basada en El Quijote de Cervantes.

Su primer encuentro con Lorca

En 1988 grabaría su primer disco dedicado a Lorca, titulado En la Casa Museo de Federico García Lorca, por encargo del director del museo, Juan de Loxa. Casi una década después revolucionaría los textos de Lorca con Omega.

En 1990 hacía realidad un sueño con el espectáculo Allegro soleá, que se estrenó en la VI Bienal de Flamenco de Sevilla, con las guitarras de Pepe Habichuela y Montoyita, el piano de Antonio Robledo y la Orquesta de Cámara de Granada.

“El arte no debe tener fronteras y el flamenco es una música viva, muy de hoy y que puede perfectamente entroncar con cualquier otros instrumentos del mundo”. Morente ponía en práctica esta máxima con espectáculos como Macama Jonda, un encuentro entre músicos flamencos y magrebíes, o en su fusión con las célebres Voces Búlgaras ‘Angelite’.

En 1990 volvería al cante más puro con Morente-Sabicas. Ya no volvería a publicar un disco tan ortodoxo hasta su último Morente Flamenco (2009).

Tras publicar su Misa Flamenca, con textos de San Juan de la Cruz, Fray Luis de León, Lope de Vega y Juan de la Encina y tras crear su propio sello discográfico (Discos Probeticos), en 1994 se convierte en el primer cantaor flamenco que recibe el Premio Nacional de Música; galardón al que siguió en 1995 la Medalla de oro de la Cátedra de Flamencología de Jerez de la Frontera y el premio Compás del Cante en Sevilla.

La revolución Omega

En 1997 Enrique Morente se consolidó en el panorama vanguardista musical y se aproximaba al público ajeno al flamenco con Omegaponiendo música al Lorca dePoeta en Nueva York junto al grupo de rock Lagartija Nick y en el que recuperaba algunos temas de inspiración lorquiana del canadiense Leonard Cohen, además de contar con la colaboración de guitarristas como Vicente Amigo y Tomatito. Este disco es todo un referente en la revolución del flamenco y abrió mundos inexplorados hasta ese momento.

En 2002, en Mallorca estrena el espectáculo África, Cuba, Caí, donde se fusionan la música africana, la cubana y el cante flamenco; y en 2003 rompe el concepto tradicional de disco flamenco con El pequeño reloj, donde juega con el tiempo y la tecnología y mezcla cante puro y nuevas armonías.

En 2005 se le reconoce su carrera dedicada al flamenco con la Medalla de Andalucía y en 2006 recibe la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. También en 2006 publicó Morente sueña la Alhambra, considerado el mejor disco de flamenco en los Premios Nacionales de la Música.

En 2007 colabora con otra banda de rock, Los Planetas, en su disco La leyenda del espacio. También ha puesto su voz ronca en colaboraciones con otros artistas como Sonic Youth, Pat Metheny o Amaral.

En 2008 publicó con su sello discográfico Pablo de Málaga, en el que descubre al Picasso poeta y pone voz a varios poemas escritos por el malagueño universal. El disco, que no funcionó comercialmente y, según el cantaor le “arruinó”, da otro paso más allá en la innovación del flamenco, pese a su dificultad. “Habría sido mucho más fácil cantar las Páginas Amarillas que los escritos de Picasso”, bromeaba Morente.

Uno de los últimos premios que recibió Enrique Morente fue el Premio Especial Ojo Crítico en 2009, otorgado por RNE. (Fuente: http://www.rtve.es).

Tracklist:

1 Omega
2 Pequeño vals vienés
3 El pastor bobo
4 Manhattan
5 La aurora de Nueva York
6 Sacerdotes
7 Niña ahogada en el pozo
8 Adán
9 Vuelta de paseo
10 Vals en las ramas
11 Aleluya
12 Norma y paraíso de los negros
13 Ciudad sin sueño