Archive for the ‘ Rock progresivo ’ Category

Enrique Morente & Lagartija Nick – Omega (1996)

Recientemente fallecido, Enrique Morente enlutó a todo el cante flamenco. Acá, el disco más brillante de su carrera según los entendidos. Flamenco + Rock progresivo, y a sus años. Un disco que vale la pena escuchar.

Como el Picasso al que homenajea en uno de sus últimos discos –Pablo de Málaga (Discos Probeticos, 2008)- con la revolución que supuso su cubismo en la pintura, Enrique Morente (1942-2010) demostró que conocía y dominaba totalmente el flamenco de los puristas antes de renovar profundamente este arte recientemente reconocido por la Unesco como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.

Morente estaba considerado como uno de los grandes renovadores del flamenco y, a la vez, como uno de los más grandes y brillantes cantaores de todos los tiempos, a la altura de uno de sus grandes amigos, el desaparecido hace casi 20 años Camarón de la Isla, al que admiraba profundamente -“Siempre mi admiración, en vida y muerte, hacia Camarón”, decía en una entrevista en 2010 en El Mundo-.

El cantaor granaíno ahora también nos deja huérfanos. Pero nos deja un legado inconmensurable, el de ser uno de los pioneros en cantar a los poetas y el mejor en adaptar poemas cultos (Federico García Lorca, Miguel Hernández, los hermanos Machado, Rafael Alberti…), la fusión del cante jondo con el rock, la música árabe o la latinoamericana, en definitiva, el combinar su conocimiento de la tradición ortodoxa con una inquietud investigadora que lo hizo ser uno de los máximos responsables de la renovación del cante.

Su contribución al arte flamenco ha sido reconocida en vida con numerosos premios, entre ellos el Premio Nacional de Música en 1994, convirtiéndose en elprimer artista flamenco en lograrlo, o la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

Sus comienzos

Enrique Morente nació en el barrio del Albaicín un día de Navidad de 1942, a la sombra de una Alhambra que ha sido lo primero que veía cuando se levantaba durante años desde su casa en el barrio con más solera de Granada. Allí fue donde empezó ainteresarse por el ambiente flamenco en las reuniones vecinales y de oír el canto de su madre. Aunque ella no era cantaora, “de su voz viene todo”, afirmaba en otra entrevista en 2009 en El País.

De niño formó parte del grupo de seises de la Catedral de Granada y, ya de adolescente, no se pudo reprimir el afán de aprendizaje que le guió toda su vida. Así, según la biografía de su página web oficial, con 14 ó 15 años se marcha a Madrid, donde contacta con un grupo de jóvenes aficionados universitarios con los que acudía a garitos oscuros en los que aprendió el arte flamenco de la mano de Pepe de la Matrona, un cantaor octogenario que conoció a todos los grandes y fue alumno de Antonio Chacón.

Se le empezó a conocer como Enrique el granaíno y bajo este nombre es contratado a mediados de los años 60 en tablaos como Las Cuevas de Nemesio y Zambra, cátedra flamencológica donde crece su prestigio entre los profesionales flamencos. Se codea con artistas de la talla de Manolo de Huelva, Manolo Caracol, Bernardo el de los Lobitos y Juan Varea y, posteriormente, también es contratado en el recién abierto Café de Chinitas de Madrid, tablao que tomó el nombre del mítico café cantante de Málaga que Lorca inmortalizó en sus versos.

En 1966 realizó una gira por Europa con el grupo de Susana y José y por Japón e Italia con el de Pepita Saracena y José Luis Rodríguez.

Primeros discos y premios

En 1967 obtiene el primer premio del Certamen Málaga Cantaora y ese mismo año publica su primer disco, Cante Flamenco, acompañado por Félix de Utrera, en el quedemuestra su dominio del flamenco al introducir palos difíciles y que no eran nada habituales en la época y menos para un joven de 25 años, como cañas y mirabrás, además de cantos de Frasquito Hierbabuena y cantes de Pedro “El Morato”. Por este trabajo recibiría una mención especial de la Cátedra de Flamencología en 1968.

Su saber lo vuelve a demostrar con su segundo disco ese mismo año, Cantes antiguos del flamenco, otro trabajo absolutamente ortodoxo, con el acompañamiento del Niño Ricardo, que contenía malagueñas de Chacón, peteneras, tarantas de Almería, martinete y toná, entre otros cantes.

En 1970, su camino profesional se cruza con el del guitarrista Manolo Sanlúcar, con el que hizo la primera pareja flamenca que actuó en el Ateneo de Madrid y junto al que inició una fructífera relación profesional durante años y con el que realizó una serie de recitales flamencos en Nueva York en 1972.

Su gira por México en 1971, con la guitarra de Parrilla de Jérez y la bailaora Ana Parrilla, marcaría profundamente su carrera. “A mí, cuando me preguntan donde aprendí a cantar tengo que decir en México. La inspiración la aprendí a dominar en México y el cante sin inspiración no es nada. Cuando verdaderamente puedes decir que aprendes a cantar es cuando dominas la inspiración, el duende, el sentimiento, el pellizco…”, afirmaba el cantaor en Rock de Lux en 2010. Allí empezó a leer a Federico García Lorca y a Miguel Hernández y conoció a importantes intelectuales, como Juan Rulfo.

Las primeras coplas basadas en versos

En 1971, con su tercer disco, Homenaje flamenco a Miguel Hernández, empieza a crear su estilo propio y a adaptar como nadie a las coplas los versos de los grandes poetas de la literatura española, lo que sería una constante en su carrera musical: San Juan de la Cruz, Federico García Lorca, Rafael Alberti, Antonio Machado, Lope de Vega, Fray Luis de León, Nicolás Guillén…

En 1972 fue reconocido con el Premio Nacional de Cante de la Cátedra de Flamencología y Estudios Folklóricos Andaluces de Jerez de la Frontera y en 1978 recibió el Premio Nacional de Música Popular por Homenaje a Don Antonio Chacón(1977), con el que volvería al cante puro y que es una referencia obligada entre los aficionados y los jóvenes artistas flamencos.

En 1980 inició una serie de recitales “mano a mano” con Camarón, el primero de ellos en el Frontón de Madrid.

En la segunda mitad de la década de los setenta, Morente empieza a participar en distintos montajes, como el de La Celestina Obsesión, estrenado por el Ballet Nacional de Canadá, ambos con el pianista Antonio Robledo y la bailaora suiza Susana Audeoud. En 1981 estrena en Granada su espectáculo musical Andalucía hoy, que viajaría a París y a otras ciudades, y en 1986 estrenó en el Teatro Real de MadridFantasía del cante jondo para voz flamenca y orquesta, junto a Juan Habichuela, Gerardo Núñez y la Orquesta Sinfónica de Madrid.

En 1988 pondría en escena en Granada una de sus experiencias artísticas más originales, el espectáculo El loco romántico, basada en El Quijote de Cervantes.

Su primer encuentro con Lorca

En 1988 grabaría su primer disco dedicado a Lorca, titulado En la Casa Museo de Federico García Lorca, por encargo del director del museo, Juan de Loxa. Casi una década después revolucionaría los textos de Lorca con Omega.

En 1990 hacía realidad un sueño con el espectáculo Allegro soleá, que se estrenó en la VI Bienal de Flamenco de Sevilla, con las guitarras de Pepe Habichuela y Montoyita, el piano de Antonio Robledo y la Orquesta de Cámara de Granada.

“El arte no debe tener fronteras y el flamenco es una música viva, muy de hoy y que puede perfectamente entroncar con cualquier otros instrumentos del mundo”. Morente ponía en práctica esta máxima con espectáculos como Macama Jonda, un encuentro entre músicos flamencos y magrebíes, o en su fusión con las célebres Voces Búlgaras ‘Angelite’.

En 1990 volvería al cante más puro con Morente-Sabicas. Ya no volvería a publicar un disco tan ortodoxo hasta su último Morente Flamenco (2009).

Tras publicar su Misa Flamenca, con textos de San Juan de la Cruz, Fray Luis de León, Lope de Vega y Juan de la Encina y tras crear su propio sello discográfico (Discos Probeticos), en 1994 se convierte en el primer cantaor flamenco que recibe el Premio Nacional de Música; galardón al que siguió en 1995 la Medalla de oro de la Cátedra de Flamencología de Jerez de la Frontera y el premio Compás del Cante en Sevilla.

La revolución Omega

En 1997 Enrique Morente se consolidó en el panorama vanguardista musical y se aproximaba al público ajeno al flamenco con Omegaponiendo música al Lorca dePoeta en Nueva York junto al grupo de rock Lagartija Nick y en el que recuperaba algunos temas de inspiración lorquiana del canadiense Leonard Cohen, además de contar con la colaboración de guitarristas como Vicente Amigo y Tomatito. Este disco es todo un referente en la revolución del flamenco y abrió mundos inexplorados hasta ese momento.

En 2002, en Mallorca estrena el espectáculo África, Cuba, Caí, donde se fusionan la música africana, la cubana y el cante flamenco; y en 2003 rompe el concepto tradicional de disco flamenco con El pequeño reloj, donde juega con el tiempo y la tecnología y mezcla cante puro y nuevas armonías.

En 2005 se le reconoce su carrera dedicada al flamenco con la Medalla de Andalucía y en 2006 recibe la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. También en 2006 publicó Morente sueña la Alhambra, considerado el mejor disco de flamenco en los Premios Nacionales de la Música.

En 2007 colabora con otra banda de rock, Los Planetas, en su disco La leyenda del espacio. También ha puesto su voz ronca en colaboraciones con otros artistas como Sonic Youth, Pat Metheny o Amaral.

En 2008 publicó con su sello discográfico Pablo de Málaga, en el que descubre al Picasso poeta y pone voz a varios poemas escritos por el malagueño universal. El disco, que no funcionó comercialmente y, según el cantaor le “arruinó”, da otro paso más allá en la innovación del flamenco, pese a su dificultad. “Habría sido mucho más fácil cantar las Páginas Amarillas que los escritos de Picasso”, bromeaba Morente.

Uno de los últimos premios que recibió Enrique Morente fue el Premio Especial Ojo Crítico en 2009, otorgado por RNE. (Fuente: http://www.rtve.es).

Tracklist:

1 Omega
2 Pequeño vals vienés
3 El pastor bobo
4 Manhattan
5 La aurora de Nueva York
6 Sacerdotes
7 Niña ahogada en el pozo
8 Adán
9 Vuelta de paseo
10 Vals en las ramas
11 Aleluya
12 Norma y paraíso de los negros
13 Ciudad sin sueño

Yann Tiersen- Les Retrouvailles (2005)

La música de Yann Tiersen es entre experimental, clásica y rock progresivo, estilo Nick Cave. Tiersen sí que sabe ir del convento al cabaret. Muy interesante.

Guillaume Yann Tiersen (nacido el 23 de junio de 1970) es un músico y compositor francés. Su música es reconocida por su uso de una gran variedad de composiciones relativamente minimalista, a menudo con un toque de música clásica europea o música popular francesa , utilizando principalmente el piano , el acordeón o el violín , junto con instrumentos como la melódica, xilófono , piano de juguete , Ondes Martenot , clavecín y máquina de escribir . Su estilo musical, especialmente cuando se utilizan instrumentos de juguete, es similar a la Penguin Cafe Orchestra y Pascal Comelade , pero su trabajo más tradicional es una reminiscencia de Frédéric Chopin , Erik Sati, Philip Glass y Michael Nyman .

Tiersen nació en Bretaña, Francia, en 1970 y recibió formación clásica en varias academias musicales, incluidas las de Rennes , Nantes yBoulogne . En la década de 1980 cuando era un adolescente fue influenciado por el post-punk de la cultura de las bandas como The Stooges y Joy Division .

Antes de grabar con su propio nombre, Tiersen había grabado música de fondo para una serie de obras de teatro y cortometrajes, como La vida soñada de los Ángeles (1998, de Erick Zonca ), Alice et Martin (1998, André Téchin), Qui Penacho la Lune? (Christine Carrière, 1999).

Se lanzó a la fama nacional en el lanzamiento de su tercer álbum, Le Phare , pero se mantuvo relativamente desconocido fuera de Francia hasta el lanzamiento de su banda sonora para Le Fabuleux destin d’Amélie Poulain en 2001, que era una mezcla de ambos y material nuevo y otros previamente no publicados .

Tiersen favorece el piano, acordeón y violín, pero también es conocido por su experimentación y el uso de instrumentos y que se encuentran oscuros como el ondas Martenot y la máquina de escribir .

Yann Tiersen lista de colaboradores sigue creciendo disco tras disco. Mientras trabajaba en su quinto álbum, L’absent, Tiersen prestó su talento musical a Françoiz Breut y Les Têtes Raides en sus propios álbumes. En su álbum de 2005, Les Retrouvailles , aparece la voz de Stuart Staples de Tindersticks, Jane Birkin y Elizabeth Fraser , ex integrante de Cocteau Twins . Tiersen también tocó el piano en solitario el álbum ‘Staples’.  En 2004 también lanzó un CD en colaboración con la cantante y compositora Shannon Wright .

Sus actuaciones en directo son muy variadas. A veces es acompañado por una orquesta y un invitado muchos colaboradores, como Dominique A . Otras veces, él ofrece sesiones más minimalistas, por lo general acompañado sólo por un baterista y bajista y un guitarrista, con Tiersen cambiando sin problemas entre el piano, acordeón y violín para sus canciones más suaves, y la guitarra eléctrica de sus piezas más fuertes (donde su faceta más vanguardia da a conocer a algunas sonoridades de rock ). Últimamente, sin embargo, casi ha desterrado de piano, acordeón y violín y se centró más en su guitarra eléctrica, hecho muy visible en el Tours en vivo en 2009-2010 . (Fuente; Wikipedia).

Fuente link descarga: GPS Sonoro

Tracklist

01 Western
02 Kala
03 Loin Des Villes
04 La Veillée
05 Plus D’hiver
06 A Ceux Qui Sont Malades Par Mer Calme
07 A Secret Place
08 Le Matin
09 Les Enfants
10 Le Jour De L’ouverture
11 La Boulange
12 La Plage
13 Mary
14 7:Pm
15 Les Retrouvailles
16 La Jetée

The Republic Of Wolves – The Cartographer [EP](2011)

Me gusta el sonido de esta banda que conocí hace poco. A ratos es bien melodiosa pero tiene sus arranques más pesados. Vale la pena escuchar.

The Republic of Wolves es una banda indie rock de Long Island, Nueva York, conformada por Mason y Christian Maggio Van Deurs de la banda indie folk  Tigers On Trains  , así como también por Billy Duprey, Gregg Andrew Dellarocca, y Chris Wall (que estuvo de gira con Lights Resolve). El sitio AbsolutePunk  dijo de su primer EP His Old Branches “es el mejor del EP lanzado en 2009”. Por su parte, Punknews.org ha señalado que hay “algunos momentos de restricción brillante en sus canciones”. The Republic of Wolves fueron colocados en una lista de las “10 Bandas Indie” en Substream Music Press magazine, donde se describe como “los sonidos oscuros, lentos pero fuertes despliegues vocales y agresiva y elegantes letras.” La banda ha tocado con presentaciones tales como Good Old War, Vinnie Caruana and Brandon Reilly of The Movielife, Gabriel the Marine, The Felix Culpa, Robbers, Harvard, Sainthood Reps, Tiger Riot, entre otros. (Reseña: Wikipedia).

El link de descarga lo tomamos prestado de http://laspikedelycmusic.bloguez.com/

Tracklist:

1. The Pilot And The Pilot’s Boy (1:32)
2. Home (2:59)
3. Calm Down (3:57)
4. Widow’s Walk (4:28)
5. India (3:51)
6. Mirage (4:03)
7. The Dead Men Stood Together (9:18)

 

David Sylvian – Sleepwalkers (2010)

Luego de un corto receso, les traigo un disco esencial. La música de David Sylvian, es generalmente bien experimental, aunque a veces bastante melódica pero no por ello menos compleja. Sin duda un artista muy interesante y que vale la pena escuchar.

David Sylvian (nacido David Alan Batt, 23 February 1958, Beckenham, Kent) es un reconocido cantante, músico y compositor británico que tiene un amplio un repertorio de diversos géneros.Se hizo conocido a fines de los años setenta y comienzos de los ochenta con la banda Japan, con la cual empezó a experimentar con la música. Su posterior carrera solista fue descrita por el crítico Jason Ankeny como “una carrera esotérica y de largo alcance que abarca no sólo proyectos en solitario, sino también una serie de fascinantes actividades de colaboración.” El trabajo solista de Sylvian ha sido influenciado por una gran variedad de géneros y estilos musicales , que incluyen jazz, avantgard, ambient, Música electrónica, Rock progresivo y música de cámara.

David Sylvian, formó uno de los grupos de música experimental mas importante de los ochenta “Japan”, icono de la modernidad y colaborador nato de todo lo que se movía contracorriente, desde Robert Fripp guitarra y líder de uno de los grupos de culto de los 70s King Crimson, hastaRyūichi Sakamoto, Holger Czukay creador de una de mis canciones fetiches” Persian Love”, con Ingrid Chavez, otra de sus colaboradoras dentro y fuera de la música, con esta escribió algunas de las canciones mas bellas cuando estaban casados, seis, que aquí os pongo para compartir

En fin, hablar de David Sylvian es beber de la modernidad mas rompedora de los 80s.
Ahora vuelve con este proyecto musical, compilación realizada para la película “Amplified Gesture” con temas de la última década, llamada Sonámbulos “Sleepwalkers”. (Reseña: http://www.elojodelnavegadorsolitario.org)

tracklist:

01. Sleepwalkers (with Martin Brandlmayr)
02. Money for all (with Nine Horses)
03. Ballad of a deadman feat. Joan Wasser (with Steve Jansen)
04. Angels (with Jan Bang and Erik Honore aka Punkt)
05. World citizen – I won’t be disappointed (with Ryuichi Sakamoto/Chasm mix)
06. Five lines (with Dai Fujikura/ previously unreleased)
07. The day the earth stole heaven (with Nine Horses)
08. Playground martyrs (with Steve Jansen)
09. Exit/delete (with Masakatsu Takagi)
10. Pure genius (with Tweaker)
11. Wonderful world (with Nine Horses)
12. Transit (with Christian Fennesz)
13. The world is everything (with Takuma Watanabe)
14.Thermal (with Arve Henriksen)
15. Sugarfuel (with Readymade FC)
16. Trauma (solo outtake from Blemish)

Anathema – A Natural Disaster (2004)

Anathema es una banda de rock progresivo fundada en Liverpool en 1990 y que, junto con Paradise Lost y My Dying Bride, colaboró con el desarrollo del doomdeath metal. A partir de su tercer álbum, Eternity, Anathema se ha ido alejando paulatinamente de la escena doom e incluso del metal, siendo considerada en la actualidad una banda de rock progresivo.

Formada en el verano de 1990 en Liverpool (Reino unido) por Daniel Cavanagh, la banda comenzó con el nombre de Pagan Angel con Darren White (voces), Daniel Cavanagh (guitarra), Vincent Cavanagh (guitarra), Duncan Patterson (bajo) y John Douglas (batería). En el noviembre de 1990 lanzaron su primer demo An Illiad Of Woes grabado en MA Studios que cultivó un estilo muy ligado aldoom metal con voces muy guturales y guitarras muy distorsionadas. Posteriormente el nombre de la banda cambió al deAnathema, y comenzaron a ganar mayor aceptación y publicidad en parte gracias a las apariciones junto a bandas como Bolth Thrower y Paradise Lost.

Paralelamente a la atención que estaban recibiendo, comenzó el proceso creativo para su segundo demo All Faith Is Lost que fue grabado en julio de 1991 también en MA Studios. Éste demo constaba de cuatro temas, que eran mucho más lentos que las canciones su primera demo, tomando elementos del entonces popular doom metal, pero utilizándolos en una faceta mucho más introspectiva y nostálgica. Una vez lanzada la demo, ésta recibió críticas muy positivas por parte del medio, e incluso atrajo la atención del sello suizo Witchhunt Records que lanzó el single They Die que consistía en dos canciones ya conocidas, CrestfallenThey Die. Las sólo 1.000 copias producidas fueron vendidas rápidamente. Antes del lanzamiento de éste demo, Jamie dejó la banda decidido a dedicarse a sus estudios. Para suplir el hueco dejado por Jamie, Daniel le ofreció el puesto a Duncan Patterson, quien después de un ensayo de prueba fue aceptado oficialmente.

La creciente popularidad atrajo también la atención de Peaceville Records, quienes ofrecieron a la banda participar en un futuro disco compilatorio que iba a lanzar el sello. La canción incluida en el disco fue Lovelorn Rhapsody, grabada en los Academy Studios. El disco compilatorio se llamó Peaceville’s Compilation “Volume 4” y fue lanzada en octubre de 1992. El compilatorio tuvo buena aceptación así como la canción de Anathema, lo que resultó en un contrato con Peaceville Records para cuatro discos más.

En 1995 la banda lanza The Silent Enigma, un disco que representa un momento crucial en su carrera. El álbum incorpora cambios en el estilo vocal e introduce diversos elementos del ambiente gótico. Muchos fans del estilo original de la banda consideran este álbum como el comienzo de la caída de Anathema, mientras muchos otros consideran que la mejor época de la banda comienza con este disco.

En 1996 es el lanzamiento de Eternity, el cual incluye un sonido mas atmosférico y continua la transición a las voces limpias, que se consolidarán posteriormente en Judgement.

El segundo miembro en retirarse de la banda sería el baterista John Douglas (por sus problemas con las drogas y la consiguiente rehabilitación) en el verano de 1997, quien sería remplazado por el ex baterista de Solstice – Shaun Taylor-Steels – quien después participaría en My Dying Bride.

Alternative 4 fue lanzado en 1998. Durante este tiempo, la banda experimentó muchos cambios en su formación. El bajista Duncan Patterson fue reemplazado por Dave Pybus de Dreambreed debido a diferencias musicales. Martin Powell (quien estuvo a cargo de los teclados y de violín en My Dying Bride un tiempo antes) también ingresó a la banda. Finalmente, John Douglas asume el rol de baterista por segunda vez.

En junio de 1999, el álbum Judgement fue lanzado. Este álbum marca la completa retirada de Anathema de la escena del doom metal, poniendo énfasis en temas lentos y experimentales. Este nuevo sonido ha sido comparado con bandas como Pink Floyd, Jeff Buckley, yRadiohead.

Durante el mismo año, Martin Powell cambió de posiciones con el teclista de Cradle of Filth Les Smith, quien pasó a ser miembro integral de Anathema.

Un tiempo antes del lanzamiento de A Fine Day to Exit, Dave Pybus anunció su partida de la banda y posteriormente ingresa a Cradle of Filth, siendo reemplazado temporalmente por George Roberts, y posteriormente por Jamie Cavanagh.

En marzo del 2002, Daniel Cavanagh anuncia su salida de Anathema, uniéndose a la banda de Duncan Patterson, Antimatter. Sin embargo, se reintegró a Anathema durante el 2003 para el lanzamiento de A Natural Disaster. Desde entonces, el sonido de Anathema ha adquirido características mas atmosféricas y progresivas, como se mostró en temas del último álbum como FlyingViolence.

Debido al cierre de la discográfica Music for Nations luego de su compra por Sony BMG, Anathema pierde su sello discográfico. Durante su búsqueda de una nueva casa discográfica, la banda lanza tres nuevos temas por Internet: EverythingA Simple MistakeAngels walk among us, los cuales pueden descargarse haciendo una donación voluntaria. A pesar de la ausencia de un sello que los apoye, la banda realizó su primera gira latinoamericana durante el 2006, que volvería a repetirse durante el año 2009, además de múltiples presentaciones en diversos países europeos.

El 25 de febrero del 2008 se produce el lanzamiento de Hindsight, un disco semi acústico con canciones clásicas regrabadas y un tema nuevo: “Unchained (Tales of the Unexpected)“. Durante el mismo periodo, la banda recibe el apoyo técnico de Steven Wilson para la edición de su siguiente álbum de estudio, firmando posteriormente con el sello de rock progresivoKscope, el cual será el responsable de su publicación. Se llamará We´re Here Because We´re Here y se editará el 31 de Mayo de 2010. (Fuente: Wikipedia).

Tracklist:

1. Harmonium
2. Balance
3. Closer
4. Are You There?
5. Childhood Dream
6. Pulled Under at 2000 Metres a Second
7. A Natural Disaster
8. Flying
9. Electricity
10. Violence

Linda Martini – Casa Ocupada (2010)

Linda Martini, contrario a lo que se puede pensar, es una banda portuguesa de rock progresivo de muy buen nivel. El disco tiene algunos temas bien melódicos pero otros con harto power, por lo que hay que tener la oreja un poco educada en lo que es rock. Pero de cualquier forma se deja escuchar y sobretodo, disfrutar. Sin duda una gran banda. Servir bien helado.

“El inicio data de 2003. Casi todos los miembros pasaron por bandas de Punk Rock y Hardcore antes de juntarse para hacer los Linda Martini. La banda consiste en André Henriques en la guitarra eléctrica y voz , Pedro Geraldes en la guitarra eléctrica, Hélio Morales en la batiría (que también es baterista en los If Lucy Fell), y Cláudia Guerrero en el bajo. Del pasado punk y hardcore heredaron la actitud descomprometida y sincera con que encaran su música.

El origen del nombre de la banda se debe a una amiga de Pedro Geraldes que se llamaba Linda Martini, conociéndola cuando esta efectuó el programa Erasmus en Lisboa. Ella aún hoy ve con estupefacción una banda con su nombre.

En 2005 lanzan una maquete homónima de cuatro temas que rápidamente es difundida en pequeños conciertos y vía Internet – mucho por culpa del fenómeno “Myspace.con”. Poco tiempo después, es en ese mismo espacio de reparto que la recién creada editora Naked los descubre.

Rápidamente los conciertos de la banda se hacen fenómeno de afluencia. En paralelo, el tema «Amor Combate» gana airplay en la radio, ensanchando el auditorio de la banda a los oyentes más incautos.

El creciente burburinho y la consecuente falta de medios logísticos para dar vaciado a la encomiendas de maquetes caseras (impresas en casa en formato CDR), precipitan la edición del EP «Linda Martini». El EP es compuesto por los 4 temas de la maqueta de estreno que aquí son remasterizados por la mano de Niels Kinsela, baixista de los God is an Astronaut. El proyecto de grabar un álbum tomaba forma y, en Octubre de 2005, la banda entra en estudio para registrar los temas nuevos que amadureceu en vivo.

2006 trajo momentos marcantes. La parceria con la banda irlandesa God is an Astronaut los lleva a una tour con pasaje por Dublin, Waterford y Londres. Inolvidables serán los más de 600 irlandeses que frenéticamente aplaudieron la banda en su primera actuación fuera de puertas.

El pasaje por los festivales Super Bock Super Rock y Suroeste consolidó el fenómeno y dejó expectativas en relación al álbum de estreno.

«Ojos de Mongol» fue editado a 30 de Octubre de 2006. El título hace referencia al escritor norteamericano Henry Miller que así describe el cambio de mirar entre perfectos desconocidos que, por otra razón además del mirar, establecen una empatía inmediata.

La primera semana en que fue disponibilizado en el myspace de la banda, el primero single «Cronófago» fue escuchado por más de 5 mil personas”. Fuente reseña: http://es.wikilingue.com.

Track list:

01. Mulher-a-dias
02. Nós os outros
03. Amigos mortais
04. Elevador
05. S de Jéssica
06. Juventude sónica
07. Ameaça menor
08. Queluz menos luz
09. Belarmino
10. 100 metros sereia