Archive for the ‘ Word Music ’ Category

Tonolec – Tonolec (2005)

La Charo Bogarín pareciera ser un collage de varias artistas, Lila Downs y María Joao entre ellas, que nos recuerda tanto por su forma de cantar como por su presencia escénica, lo que claramente nos resultó interesante. Pero no, su apuesta tiene la suficiente fuerza y originalidad como para destacar por méritos propios. Disfruten el disco.

Tonolec es un dúo originario de Resistencia Chaco, integrado por la cantante Charo Bogarín y el músico Diego Pérez, ambos compositores que reafirmaron su labor musical abordando la fusión de los géneros electrónico y étnico desde un lugar legítimo.

Estos jóvenes artistas decidieron dedicarse durante los últimos tres años a investigar la cultura toba desde adentro, intercambiando experiencias musicales con las comunidades tobas originarias del norte argentino y trabajando exhaustivamente en la mixtura de los cantos populares tobas con la electrónica. Parte de su trabajo se basó en las rondas de canto y de baile del coro de mujeres y hombres tobas “Chelaalapí” (Bandada de Zorzales), que viven en Resistencia, quienes les abrieron sus brazos.

Las canciones tradicionales que aprendieron les fueron transmitidas oralmente por los ancianos de esa comunidad, más allá de todo el material histórico que lograron recopilar. También realizaron experiencias junto a la comunidad toba de Derqui, provincia de Buenos Aires. De allí nace Tonolec, caracterizado por la voz poderosa e intimista de Charo y las refinadas composiciones de Diego. Ambos son autores y plasman en su obra canciones propias en lengua castellana y en lengua toba, con el interesante aditivo de versiones de cantos tradicionales de la etnia qom (toba).

De vuelta a Argentina y con inquietudes respecto de la identidad musical como compositores, el dúo decidió cambiar el rumbo del trabajo que venía haciendo. El principal objetivo fue entonces crear música con identidad, volviendo a las raíces más profundas y mirando con más detenimiento al medio en donde fueron criados. El trabajo con las comunidades tobas es el leit motive de la obra de Tonolec, que al final del camino recorrido nos ofrece: una voz femenina entretejiendo diálogos diversos con la naturaleza, delicadas mixturas entre sonidos acústicos y coros indígenas procesados. Y finalmente la comunión de todos estos elementos dando la conformación de paisajes diversos por los cuales es posible imaginar el tránsito de los primeros hombres sobre nuestro suelo. (Fuente reseña: http://tonolec-romina.blogspot.com).

Tracklist:

01. Antiguos dueños de las flechas
02. La cazadora
03. El rito
04. En busca del sol
05. Canción de cuna
06. Noyetapec
07. Lamento
08. Niño perdido
09. La luciérnaga
10. Canción de cuna

Rodrigo Rodríguez – Shakuhachi Meditations (2010)

Los que hayan hecho yoga alguna vez con música de fondo habrán escuchado esto o algo parecido. Música muy bella con un fondo perfecto para la meditación y vaciar la mente. Ideal para trabajar o para sacar la vuelta, como sea, es un disco que seguro disfrutarás a mares.

Nacido en Argentina (1978), Rodríguez emigró a España en 1986 donde vivió la mayoría de su infancia. A temprana edad empezó a estudiar música clásica y moderna.Desde su niñez Rodrigo tuvo la necesidad de imitar la música y sonidos que escuchó en su mente.

Entre los años 1993 y 1999 Rodrigo siguió sus estudios y educación musical de guitarra clásica en la isla de Mallorca hasta los 21 años de edad. Su interés por la música tradicional e instrumentos étnicos empezó antes de su adolescencia.

La vida profesional de Rodrigo empezó en España, donde descubrió la flauta Japonesa Shakuhachi (Flauta de bambú usada por los monjes “Komuso” para la meditación y peregrinación).El interés por este instrumento le llevó a emigrar por segunda vez, en esta ocasión a Japón, país donde estudió música clásica y tradicional Japonesa bajo los linajes de Katsuya Yokoyama en «The International Shakuhachi Kenshu-kan School» La música de Rodrigo fue clasificada en los géneros de New Age, Música del Mundo (World Music) o Clásica Contemporánea.

En estos recientes años Rodrigo ha actuado en numerosos conciertos en Europa, Asia, Sur del Pacífico, en escenarios legendarios como «The Imperial Hotel Tokyo» y la «NHK Culture Center of Japan».A principios de 2009, Rodríguez empezó sus estudios con el renombrado maestro y músico de Shakuhachi Kohachiro Miyata, interesado más profundamente en música contemporánea y el Shakuhachi Clásico.

Rodrigo mostró interés y dedicación por los trabajos de Miyata Kohachiro.A partir de entonces, decidió estudiar todos los tipos de música tradicional Japonesa, prestando especial atención a las diferencias entre las dos tradiciones musicales.

El músico interprete de la flauta Shakuhachi nos sorprende una vez más con su nueva disco Shakuhachi Meditations.

Disco grabado entre dos países, Japón y España, piezas interpretadas con la flauta Shakuhachi, melodías liricas y poéticas invocando a la imaginación sonora mas profunda del Japón Feudal.

Rodrigo transmite con estas piezas el solitario sonido del monje Komuso o los enfoques técnicos y mental para estas piezas que representan los bloques de construcción básicos y minimalistas de la música Zen.

Entre las 8 piezas que suenan en este album, titulos como Eleven Waterfalls (improvisacion con estilo Minyo Oiwake, folk Japones) o Śūnyatā, pieza interpretada e inspirada en Śūnyatā o shuñata que significa que no hay nada que posea una esencia individual y, por tanto, que todo está vacío, sin una realidad independiente. Todo lo que existe está relacionado y es interdependiente, y la aparente pluralidad de individualidades es un carácter ilusorio de nuestra existencia. (Fuente reseña y link descarga: http://gps-sonoro.blogspot.com).

Tracklist:

1 Eleven Waterfalls 4:25 0
2 Śūnyatā 3:14 0
3 Chaniwa 5:34 0
4 Kyuden No Kurayami 4:04 538
5 Lady of the Snow 2:02 0
6 Peace Bell 3:26 0
7 Cross of Light 3:33 0
8 Shinkantaza

Abyssinia Infinite feat. Gigi Shibabaw – Zion Roots (2003)

Este disco tarde o temprano iba a llegar a un post. Como es uno de los primeros de mi carpeta, generalmente es uno de los que suenan de primeros al momento de escuchar música y como es de una dulzura inmensa, se deja escuchar de punta a cabo. Definitivamente un disco imperdible.

Ejigayehu Shibabaw, más conocida como “Gigi”, es una fabulosa cantante de cálida voz, nacida en una humilde familia campesina de Etiopía y residente en Estados Unidos desde finales de los 90, dónde grabó sus primeros discos.

Se empezó a hablar de ella con el álbum titulado “Gigi” (2001), producido por Bill Laswell, quien más tarde se convertiría en su marido, y en el que colaboraban grandes del jazz como H.Hancock y W.Shorter.
En el año 2003 graba este disco bajo una banda llamada Abyssinia Infinite, el la que participan miembros de su familia haciendo coros, Aiyb Dieng y Karsh Kale en la percusión y el propio Laswell, que además produce el disco brillantemente, mezclando elementos tradicionales, jazz y un poco de dub.

Etiopia está firmemente enraizada en Africa. Las influencias del Continente Negro son subrayadas  por la participación de un número de músicos africanos expatriados. Dos percusionistas, Aiyb Dieng y Utkarsha “Karsh” Kale, han tomado prestada esta compilación juntos. El productor Laswell ha tomado la guitarra acústica para la ocasión, mientras el versátil Tony Cedras provee soprte musical adicional en el acordeón.
Abyssinia Infinite consiste en 10 composiciones. El álbum comienza con tres adaptaciones tradicionales  canciones de amor. En particular “Gela,” una creación de la propia Gigi, lo que merece explicita mención. Comienza con una introducción de Melaku Gelaw en un instrumento llamado “kirar”, uno de los más antiguos instrumentos de cuerda en el mundo. Melaku también canta en la flauta en “Gole,” un ancestral canto usualmente reservado para celebraciones especiales como, matrimonios. La jazzística pieza “Lebaye,” la cual finaliza dominado por el saxo de Moges Habte. La evocativa, casi hipnótica “Ethiopia” es una de mis favoritas en este CD. Es “ambientalmente etérea” como el álbum  entero, el que conjura imágenes de Africa:  majestuosos paisajes de valles y montañas. Traducido a la música resulta en un buen testimonial de la tierra de Gigi. (Fuente: GPS Sonoro; traducción y cosecha propia: Con una ayudita de mis amigos).

Tracklist:

1. Bati Bati
2. Gela
3. Alesema
4. Monew Natana
5. Embe Ashafergne
6. Gole
7. Aba Alem Lemenea
8. Gedawo
9. Lebaye
10. Ethiopia

Mynta – Meetings In India (2009)

La música india tiene su belleza bien particular, sus matices, y en general un mundo, entre maravilloso y cruel del que nutrirse. Sonidos únicos, y otros que evocan latitudes varias es lo que encuentras en este disco. Cae en la categoría: Para disfrutar en casa.

Después de tres años sin publicar disco y seis sin grabar nada nuevo, vuelve el grupo indo-sueco Mynta a lanzar al mercado un nuevo trabajo, “Meetings in India”, coincidiendo con su treinta aniversario para el que también realizarán una gira de cuatro semanas por Suecia, después de recorrer el mundo con su mezcla de jazz, rock, folk sueco, música tradicional india, … Resulta a primera vista “exótica” la mezcla de músicos suecos con indios pero es algo bastante habitual en Suecia colaborar con músicos asiáticos o, por lo menos, mezclar elementos de la música de aquella zona de Asia con la propia. En Mynta destaca la presencia de Fazal Qureshi (tabla), hermano menor de Zakir Hussain (que perteneciese a Shakti y cuya influencia es evidente en Mynta) A la flauta india y clarinetes hay que resaltar la participación de Dallas Smith, músico estadounidense que ha estudiado música “clásica” india y ha trabajado y grabado para la industria de Bollywood. La participación sueca está marcada hoy (por este grupo han pasado grandes nombres del panorama musical sueco, como Anders Hagberg) por Santiago Jiménez (violín), Max Åhman (guitarra), Sebastian Printz-Werner (percusión) y Christian Paulin (bajo). Ellos le imprimen el toque de folk sueco y de jazz a la música consiguiendo entre todos que Mynta sea uno de los grupos más interesantes de lo que se ha dado en denominar como “world music” (¿?) del panorama internacional. En sus comienzos el grupo empezó tocando jazz, blues y ritmos latinos (¿?) pero progresivamente su música se volcó más en el jazz con la incorporación del saxofonista sueco Jonas Knutsson y el guitarrista Max Schultz. Por el grupo también han pasado la cantante sueca Maritza Horn y el cantante indio Shankar Mahadevan que, con la incorporación de Qureshi en 1987, dieron el toque tradicional indio a la música de Mynta que la hace tan peculiar. En este disco cuentan con la colaboración en la producción del mítico guitarrista sueco Coste Apetrea con lo que el resultado no puede ser otro que una joya más a incorporar a su ya dilatada discografía. (Fuente reseña: http://stratosferia.blogspot.com).

Fuente link descarga: http://fulcanellinewworld.blogspot.com

Tracklist:

01. Absolute Samba
02. Meetings In India
03. Ganglat Fran Laggars
04. River Of Winds
05. Desert Jig
06. Adios Ferdinando
07. Gnodon
08. Vietnamese Reggae
09. Dark Days
10. Tarantelle
11. Seven and A Half
12. The Fine Line
13. The Dance Of Life
14. Tabla Chants
15. Rag Hindol

Amira Medunjanin & Merima Kljuco – Zumra (2010)

Un muy bello descubrimiento este álbum. Seguro que les va a gustar tanto como a mí. Quiero dedicar este post a mi hermano Pato que anda medio complicado por estos días. Fuerza hermanito, que como dice Chico Buarque: vai passar.

Zumra: Hay muchas diferentes formas en las que la música Balcánica tradicional ha sido tocada e interpretada en los años recientes. La aproximación de Amira y Merima Ključo a algunos de las músicas tradicionales en su álbum debut debió ser por lejos el más radical. Estando en los extremos finales de los dos géneros, este álbum es un desafío tanto para los fanáticos de la música bosnia sevdah,  como para los entendidos en la música clásica contemporánea. Es para cualquiera que tenga una gran curiosidad musical; para cualquiera a quien le gustaría escuchar algo diferente a los cada vez más estereotipados modos en que la música tradicional y neo-tradicional es a menudo tocada hoy.

En 2005, la cantante bosnia Amira Medunjanin lanzó su álbum debut, Rosa, para Snail Records. En ese álbum, ella fue respaldada por Mostar Sevdah Reunion, un virtuoso ensemble quienes hicieron una serie de grandes álbumes con Sestic antes que el negocio musical tristemente rompiera la línea original. Rosa fue la bienvenida e introducción a Amira, con un timbre de voz perfecto.

Ahora, Amira ha returnado en un trabajo musical más sintetizado, el cual le queda mucho mejor. Zumra (que significa esmeralda) fue hecho con su nuevoaproductora, Merima Kljuco, quien le aporta una base de acordeón, que está sonando casi como un órgano o armonio.
El grueso de el material es todavía el sevdah tradicional , generalmente lento, música flok lastimera recientemente renombrada como ‘Bosnian blues’, cuyas raíces se remontan a la Edad Media. Muy a menudo, se  trata de canciones lastimeras,  de pérdida, de amores no correspondidos, y patetistmos que no requieren traducción.

A finales del siglo 19, las canciones sevdah fueron típicamente acompañadas sólo por acordeón y violín. Sus tan agrestes y minimalistas arreglos son actualmente una especie de retorno a las raíces. Incluso en un esfuerzo por relevar que consideran que han estado perdidos a través de la repetición durante los años, esas interpretaciones dan un nuevo giro radical en piezas muy conocidas. (Fuente reseña: http://www.bbc.co.uk; Traducción: Con una ayudita de mis amigos).

Fuente link descarga: http://www.israbox.com

01. Kradem ti se
02. Mujo…
03. …kuje
04. Sevdah
05. Mehmeda majka budila
06. Kales bre Ando
07. Karanfil se na put sprema
08. Gde si duso, gde si rano
09. Simbil cvece
10. Zosto si me majko rodila
11. Mito Bekrijo
12. Bogata sam imam svega
13. Okreni se niz dul baacu
14. Jo hanino tu hanina

Aynur – Nûpel (2006)

Escuchar y promocionar a Aynur es un acto de justicia con ella y su trabajo, donde hacer música en un mundo para hombres resulta ser una actividad peligrosa. A disfrutar.

Aynur Doğan, una de las Mujeres de Agua de Javier Limón, es una de las jóvenes exponentes de la cultura y la música kurda, empeñada en recuperar sus raíces , revisar la música tradicional de su pueblo, y transmitir el impresionante legado original del corazón de Anatolia.
Exiliada en Estambul desde los 17 años, su primer álbum Seyir se editó en 2002. Además de participar en actuaciones y discos de artistas y grupos como Metin-Kemal Kahraman, Grup Yorum, Lütfü Gültekin, Anjelika Akbar y Orient Expressions, ha cantado también para la televisión y el cine, actuando tanto en su tierra como en el extranjero en kurdo y en turco. En 2004 Kalan Müsik y, en España, Resistencia editaron su álbum Keçe Kurdan (Chica kurda), situándose rápidamente entre los más destacados discos de música kurda.
Fruto de casi un año de trabajo, Keçe Kurdan presentaba una mezcla de canciones populares turcas y kurdas junto a composiciones nuevas. Con toda una profusión de excelentes músicos acompañantes, el álbum destacaba por la originalidad de sus arreglos. Dotada de una amplia gama vocal, Aynur interpreta tanto canciones como improvisaciones alcanzando su disco una capacidad inigualable para llegar hondo al gran público.
Comparada con la turca Sezen Aksu y la griega Elefthería Arvanitáki, Keçe Kurdan hizo de Aynur una figura destacada del pueblo kurdo. Con la canción en kurdo que interpretó en la película de Yavuz Turgul “Gönül Yarası”, Aynur obtuvo un éxito sin precedentes, entre otras cosas, por ser la primera vez que se cantaba una canción kurda en directo en una película rodada en Turquía. La voz de Aynur se ha oído también en el documental de Fatih Akın “Ιstanbul Hatırası” (“Crossing the bridge”).
Paralelamente a estos logros, el Sexto Tribunal Penal de Diyarbakir aprobó un dictamen judicial para que se retirase de la venta, quince meses después de haberse editado, el disco Keçe Kurdan, por estimar que la canción de igual título “incitaba a las mujeres a echarse al monte y fomentar el separatismo”. El dictamen fue recurrido ante el gobierno provincial, obteniéndose por fin su anulación en septiembre de 2005.
Nûpel (Yeni Sayfa, Página Nueva), es un excelente trabajo en el que la cantante contó con destacadas colaboraciones. En los créditos aparecen hasta nueve arreglistas, diversos compositores y un sinfín de instrumentistas. La hermosa voz de Aynur, que canta en los dialectos kurdos zazaki, sorani y kirmanci además de turco, entona con sus múltiples registros melodías ancestrales y explica historias relacionadas con su cultura mientras el redoble de los davuls, los sonidos de las diversas flautas e instrumentos de viento de la región, o los violines y baglamas se mezclan armónicamente con guitarras eléctricas y sintetizadores. Una demostración de complicidad entre tradición y modernidad que ni siquiera se rompe en los dos últimos cortes del disco, dos remezclas de “Ez Kevok Im” y “Keçe Kurdan” en las que los ordenadores convierten temas tradicionales en ritmos tecno.
Nûpel, otro exponente de la música de Aynur, constituye un retrato del Kurdistán: cruda y árida como las montañas, vital y jubilosa como los bailes tradicionales kurdos. En Nûpel nos encontramos con una joven sencilla, humana y cercana que nos habla de las pequeñas cosas, como esas historias de amor que escuchaba de pequeña en las aldeas. “La extraordinaria voz de Aynur, que lleva en sí la niebla de las montañas, el caudal de los ríos y el olor celestial de la tierra, es conmovedora como la naturaleza misma” (Tülay German, extraído del libreto del CD).

Fuente de la reseñay link descarga: La Uva y La Parra http://lauvaylaparra.blogspot.com/

Tracklist:

01. Lawıkê Metînî (Metinilerin Oğlu, El hijo de los Metini)
02. Nesrîn
03. Can Weza (Can Benim, Amor mío)
04. Ez Keç Im (Ben Kızım, Soy una chica)
05. Yarê (Yar, Amada)
06. Şîre
07. Nemıre Lawık (Ölme Oğlan, No mueras muchacho)
08. Ronî (Aydınlık, Mi apesadumbrado corazón)
09. Şuware (Ağıt, Lamento)
10. Eman Eman – Eman Dılo (Aman Aman – Aman Gönül, Ay, corazón)
11. Daye Daye – Raye (Anne Anne – Yol, Madre, madre – camino)
12. Aşkın Şarabı (El vino del amor)
13. Ez Kevok Im (Güvercinim Ben, Soy una perdiz) – remezcla
14. Keçe Kurdan (Kürt Kızı, Chica kurda) – remezcla

Varios Artistas – Afrocubism (2010)

Los cubanos Eliades Ochoa y el Grupo Patria, y los malienses Kasse Mady Diabaté,Lassana DiabatéToumani DiabatéBassekou KouyateDjelimady Tounkaraconforman el proyecto Afrocubism, un intento de fusión de los sonidos de dos de los más grandes yacimientos musicales (Malí y Cuba), estrenado a nivel mundial el 9 de julio de 2010 en el festival La Mar de Músicas de Cartagena, y producido por Nick Gold (de World Circuit).
La historia de Afrocubism comenzó hace unos catorce años, cuando el productor Nick Gold trató de reunir a musicos malienses y cubanos en un disco conjunto, pero la idea tropezó con trabas administrativas (los africanos nunca llegaron por cuestiones de visados) y aquella iniciativa acabó concretada en el famosísimo Buena Vista Social Club, con Ry Cooder como productor, en el que sólo participaron músicos del Caribe. Así, pues, se puede decir que Buena Vista Social Club, disco de referencia para la world music con sus millones de ejemplares vendidos, fue un accidente. Que el mundo descubriera y se rindiera a veteranos como los ya fallecidos Compay Segundo, Rubén González, Orlando “Cachaito” López e Ibrahim Ferrer, o a Eliades Ochoa y la estupenda Omara Portuondo, fue cosa del azar o del destino.
Al cabo del tiempo, un encuentro inesperado reactivó lo que Nick Gold definía como “un sueño del pasado”. Toumani Diabaté y Eliades Ochoa, que no se conocían, coincidieron en un festival en Holanda en 2008. Uno hablaba francés y el otro castellano, así que sacaron la kora y la guitarra, respectivamente, y se pusieron a tocar en el hall del hotel, generando un corrillo a su alrededor. Aquel sarao ya era Afrocubism. El siguiente encuentro se produjo en Madrid, en los Estudios Sonoland, en donde a Eliades Ochoa y a Toumani Diabaté se unieron el Grupo Patria (que habitualmente acompaña al cubano), además del virtuoso del n´goni Bassekou Kouyaté, el cantante Kasse Mady Diabaté, el artista de balafón Lassana Diabaté y el excepcional guitarrista Djelimady Tounkara.
Un maestro del son y la guaracha con los malienses más ilustres e innovadores de la actualidad: voces, guitarras acústicas, congas, bongós, contrabajo, trompetas y maracas del Caribe con voces, kora (mezcla de arpa laúd), balafón (tipo de xilofóno), n´goni (un ancestro del banjo) o tama (tambor de axila o tambor parlante) de África Occidental. ¿Qué el proyecto puede funcionar? A fin de cuentas, es innegable que la música cubana hunde sus raíces en África, mientras que en Malí hace ya años que algunas y algunos de sus artistas volvieron su mirada hacia esos ritmos que llegaban del Caribe y los readaptaron a sus propias tradiciones e instrumentos. El resultado se verá con el tiempo. (Fuente reseña y link descarga: http://lauvaylaparra.blogspot.com).

Tracklist:

01. Mali Cuba
02. Al vaivén de mi carreta
03. Karamo
04. Djelimady Rumba
05. La Culebra
06. Jarabi
07. Eliades Tumbao 27
08. Dakan
09. Nima Diyala
10. A la luna yo me voy
11. Mariama
12. Para los pinares se va Montoro
13. Benséma
14. Guantanamera