Circo Vivant – AfroAméricaLatinidade (2012)

2012Como dice la reseña en portugués, Circo Vivant es una banda emergente que tiene una gran influencia de Banda Eddie, la precursora ska en Brasil. Con temas bien rockeros, bien potentes y con buen ensamable de voces logran un disco bien entretenido. Conscientes de los tiempos que vivimos al igual que otras varias bandas brasileras, entregan su disco para descarga liberada. Buen disco.

O ‘Circo Vivant’ é uma banda “Original Olinda Style”, que entrega bastante influência da já seminal ‘Banda Eddie’. Mas calma, aí…. Perá lá…. Que o ‘Circo Vivant’ anda chega lá…. Posso até apostar….
Eles recém começaram em 2004. Experimentaram bastante, chegando até gravar um CD demo, ‘Qualquer Coisa’, em 2005. Mudaram de formação e gravaram um EP, ‘Bipolar’, em 2009, que tinha uma faixa “adubada” por Buguinha Dub. A banda tem Petruchio na voz, percussão e sample/efeitos, Pedro Vivant na voz, guitarra e violão, Júnior Duarte no baixo, Junior Dujarro na bateria, Gustavo Joe nos teclados, microkorg e violão e Ganga Barreto na percussão e voz, e conta com participações especiais de Rogerman (Bonsusesso Samba Clube), Bruno Souto (Volver), Tom Rocha (Academia da Berlinda e Mundo Livre SA) e Leo Oroska (Ska Maria Pastora), entre outras.
Neste ano, eles lançam o primeiro disco, ‘AfroAméricaLatinidade’ – um título que reflete e entrega muito do que a banda é… Plural. Isso que eles são. Eles são afros, americanos e latinos, sem nenhum preconceito em misturar gêneros, números e graus.
Você começa ouvindo o disco “com um jeito assim meio covarde” e termina sem perceber, com as canções rolando, o sonzinho te envolvendo e te balançando. A canção ‘Fagundes Varela 16h30’ abre o álbum com uma pegada funk de muito efeitos e um riff matador – se fossem 10 minutos a menos seria melhor ainda (essa só os fortes entenderão).
Entra o ska, ‘O mesmo e o novo’. Quem ficar parado é doente do pé! Mas ai o ska quase se transforma num batuque para quase uma cumbia e guitarrada. Enfim, afro-americano-latino. Outro ska é ‘O brilho’, que cria um clima meio leste europeu, por causa da harmonização dos belos vocais, sem deixar de ter uma pitada surf-music na levada da guitarra.

Divulga 1-WEBO ‘Bolero de Jardel’ é, como diz o título, um bolero, mas com uma pretensão de ser entoada em uníssono pelo público em grande estádios. ‘Cor branca’ é a parte sambarock do disco. ‘Mariano’ foi criptografada por Pedro Vivant. Como em ‘Aqua boogie’, “Psychoalphadiscobetabioaquadoloop” ou “analfomegabetismo e somatopsicopneumático”, só pra manter a referência aqui mesmo na “Ilha de Vera Cruz”.

‘Moda pra Zé Pereira’ de moda só tem o rock mesmo – de pegada poderosa descambando num surf music discoteque. ‘O que vou fazer agora’ encerra o disco como num suíngue fenomenal, finalizando às pressas. Daí você percebe que o disco acabou e você não ouviu nada ainda…
Volte à faixa hum e ouve tudo de novo. Por isso, como seu advogado, recomendo que baixe o disco no link ali embaixo. Boa Sorte ‘Circo Vivant’! Vocês mandaram bem demais!!! . Fuente: http://euovo.blogspot.com/

Tracklist:
1. Fagundes Varela 16h30
2. O mesmo e o novo
3. In Babylon
4. Bolero de Jardel
5. O brilho
6. Cor branca
7. Mariano
8. Moda pra Zé Pereira
9. Lágrimas no Central
10. O que vou fazer agora
Anuncios

Pedro Aznar – Quebrado Vivo (2009)

Después de algo más de una año abducido por el trabajo, me decidí a retomar viejos vicios musicales como por ejemplo, postear el disco que me gusta. Hoy asistí al recital de Pedro Aznar presentando su nuevo disco Ahora y debo decirles que reavivó ese deseo. Sin duda que Quebrado en vivo es mi disco favorito de Aznar, quizás por ese recorrido por viejos y nuevos temas propios y de otros. Un disco para disfrutar en el amplio sentido de la palabra.

El CD 1 es un disco de composiciones originales potentes, de alto voltaje, con letras profundas y viscerales. Canciones que transitan el dolor de la pérdida y la fugacidad del tiempo, los confusos límites del odio y el amor, el vértigo de la finitud y las lecciones de la adversidad, la fragilidad de la alegría y la búsqueda de un lugar de pertenencia.

Un CD 2 de canciones favoritas de Pedro, muchas de las cuales conformaron la banda de sonido de su adolescencia. Música de autores emblemáticos como Sting, John Lennon, Luis Alberto Spinetta, Atahualpa Yupanqui, Charly García y Jagger/Richards, entre otros, en versiones vibrantes, cargadas de significación personal.

La lista de temas es:

Quebrado
Fugu
Nocturno suburbano
Asimetría
Lina de luto
Violinista
Décimas
Claroscuro
Joya tu corazón
Los perros del amanecer
La abeja y la araña
Amar y dejar partir
Fragilidad
Credulidad
Jealous Guy
Tiempo sin respuesta
¿No es una pena?
Los hermanos
El rey lloró
Confesiones de invierno
Blues de la piedad
Angie
Junk
Love

Chavela Vargas – Piensa en Mí (1991)

Hoy murió Chavela Vargas, una grandiosa mujer y cantante, dueña de un repertorio musical exquisito. Seguramente toda Latinoamérica la está llorando. Piensa en nosotros Chavela, donde quiera que vayas.  Les dejamos la redacción de la triste noticia reportada desde México por Isaac Garrido,  Adriana Gómez Licón y E. Eduardo Castillo.

Chavela Vargas, la cantante que desafió los estereotipos de género en la música ranchera mexicana, murió el domingo 5 de agosto del 2012 a causa de un paro respiratorio, informó su representante, María Cortina. Tenía 93 años.

Amiga y biógrafa de la artista, Cortina dijo que Vargas murió en un hospital en la ciudad de Cuernavaca, al sur de la capital, donde había estado internada una semana con problemas respiratorios y cardíacos.

Vargas revolucionó la escena musical cantando temas de amor, en ocasiones dirigidos a otras mujeres, con su voz ronca y potente y luciendo siempre vestimenta de hombre.

“Chavela murió y se fue con mucha paz. Nunca se quejó”, dijo Cortina a reporteros afuera del hospital.

Vargas no quiso recibir hemodiálisis ni entubación para ayudarla a respirar, dijo su Dr. José Manuel Nuñez a The Associated Press, por sus creencias sobrenaturales de métodos de sanación.

“Ella tiene que tener una muerte natural”, dijo el doctor el viernes. “Es una filosofía de vida de ella”.

Cortina, su amiga, dijo que Vargas estuvo consciente hasta el último minuto.

“Buscaba mi mano y su medallón de chamana”, dijo la escritora.

Nacida en San Joaquín de Flores, Costa Rica, el 17 de abril de 1919, y radicada en México desde su adolescencia, comenzó a desarrollar su pasión por la música cantando en las calles a los 14 años. En 1960, cuando ya tenía 41 años, empezó a hacerlo de manera profesional.

En aquella época irrumpió en cantinas y bares mexicanos cantando con una pistola al cinto y una botella de tequila en la mano.

Muchos reprobaron su conducta, pero otros la veneraron como la mujer que se atrevió a desafiar la cultura machista mexicana, cantando con emoción y ronquera los sufrimientos de amor que también padece una mujer.

Polémica por naturaleza, Vargas no escatimaba en hablar sobre las críticas que le rodearon, muchas de ellas en torno a su homosexualidad, que hizo pública en su autobiografía “Y si quieres saber de mi pasado”, publicada en el 2002.

En el texto relataba que desde pequeña era señalada como una “rareza”.

“Lo que duele no es ser homosexual, sino que lo echen en cara como si fuera la peste. Hace falta tener mucha ponzoña en el alma para lanzar cuchillos sobre una persona, sólo porque sea de tal o cual modo”, escribió Vargas, a quien se le llegó a relacionar sentimentalmente con la pintora mexicana Frida Kahlo.

Además de Kahlo y su esposo, el muralista mexicano Diego Rivera, el círculo de amistades de la cantante naturalizada mexicana incluyó a figuras como el compositor mexicano Agustín Lara, la actriz estadounidense Ava Gardner, el poeta chileno Pablo Neruda y el cantautor mexicano José Alfredo Jiménez, cuyos temas interpretaba con pasión total.

Reconocida por su firme carácter, dijo no haber sentido miedo durante su prolífica carrera.

“No le tuve temor a nada porque a nadie le hice daño”, aseguró con calma durante un homenaje que se le hizo en junio de 2011 en México. “Siempre fui una vieja borracha”, agregó en la ocasión, entre risas.

Los problemas de salud la acecharon desde pequeña. De niña enfrentó poliomielitis, y le atribuyó su recuperación a los brujos y chamanes que la trataron. Su pasión por estas figuras era tal, que siempre aparecía luciendo amuletos y talismanes realizados por ellos.

“La chamana”, como fue apodada, nunca se dejó intimidar por la muerte, a la que imaginaba “bellísima, como un descanso”. Pedía que al morir, la recordaran “como una vieja loca que se tomó 40 botellas de tequila”.

“En un río, en un lago lleno por ahí que me tiren ya después de muerta”, expresó a los medios durante la misma velada.

Testigo de los cambios políticos de casi un siglo, como al ascenso de Fidel Castro al poder en Cuba, Isabel Vargas, su nombre de pila, no temía opinar de política.

En una silla de ruedas que usaba desde el 2007 debido al cansancio de los años, con sus emblemáticas gafas obscuras y pañuelo al cuello, hablaba sobre el clima de violencia que impera en México desde que el presidente Felipe Calderón inició una confrontación directa al narcotráfico.

“Estamos viviendo una época poquito difícil y la juventud tiene que apoyar este momento que está pasando México y luchar para volver a estabilizarlo”, dijo sobre una nación a la que se refería como “un gigante dormido”. “Ahora les ha dado por matar a todo el mundo… No, así no es la cosa… Le pediría mucho a la gente joven que tuviera paciencia y a los viejos, que se les quiten las mañas”.

Venerada por figuras como el escritor mexicano Carlos Monsiváis, la cantante mexicana Lila Downs y el cineasta español Pedro Almodóvar, nunca dejó a un lado su picardía e incluso bromeaba sobre el alcoholismo contra el que luchó por más de dos décadas.

“Hoy probé un trago de tequila y me supo horrible. Antes me echaba primero mi medio garrafón de tequila y después comía. Ahora quise hacer lo mismo en la comida donde estábamos y no sirvió”, bromeó durante el mencionado homenaje que le ofrecieron varias organizaciones civiles en la capital.

Con 80 discos grabados, la intérprete de “La Llorona” y “Macorina” hizo resonar siete de sus temas en “Soy Frida, soy libre”, un monólogo sobre la pintora mexicana en el que sus canciones sirvieron como puente entre cada uno de los actos.

La presencia de Vargas trascendió los escenarios y llego a impregnar el cine.

Almodóvar utilizó temas de la cantante en películas como “Tacones lejanos” y en 2002 Vargas apareció en la cinta “Frida”, protagonizada por Salma Hayek bajo la dirección de Julie Taymor, en la que ofrecía una desgarradora interpretación de “La Llorona”.

En abril de 2012, a los 93 años, Vargas lanzó “La Luna Grande”, un disco de poemas con el que rindió homenaje al poeta español Federico García Lorca.

Acopló sus recitaciones con la melodía de algunos de sus temas como “Macorina” y “Noche de ronda”. Con el material, dijo, saldó “una deuda de amor, de paz y de belleza” con el poeta.

Durante la presentación del disco en su casa en Tepoztlán, a unos 80 kilómetros al sur de la capital mexicana, declaró sin tapujos que no le debe nada a la vida.

“No le debo nada, ni me debe nada. Estamos muy bien”, aseguró en esa ocasión, acompañada de la cantante española Martirio.

Aunque no era partidaria de los homenajes, fue reconocida en múltiples ocasiones. En el 2000 el gobierno español le otorgó la Gran Cruz de Isabel la Católica. Y en el 2007 sus aportes a la música fueron reconocidos por la Academia Latina de Grabación, que le otorgó el premio a la Excelencia Musical.

En el mundo de Vargas no había lugar al rencor. Solo existía el agradecimiento.

“Le doy gracias a Dios que me dejó llegar, aunque me falten (fallen) las piernas”, expresó desde su silla de ruedas en el homenaje de junio de 2011. “Poco a poco tendré que pagar un tributo a la vida, ya me cobró el caminar y ya me quitó la capacidad de soñar… Le pido a Dios que adonde yo me vaya algún día, me lleguen a saludar y yo a ustedes”.

En el 2012 Vargas fue postulada al Premio Príncipe de Asturias.

El Consejo Nacional para la Cultura y las Artes de México dijo en un comunicado el domingo que “a través de su canto la interprete tocó el alma de los mexicanos”.

Trascendió los escenarios y empapó a nuevas generaciones, que se mostraban asombradas de su lucidez en un hecho que abordaba con su pícaro sentido del humor.

“Me da gusto ver que la juventud tenga esas agallas de preguntarme a mí, Chavela Vargas, cuántos años tengo”, expresó. “Noventa y tres años, ¡eh! ¿Qué tal? Hoy ya no se festejan, es de atrás hacia adelante”.

Vargas, además se sumó a las redes sociales. A través de su cuenta de Twitter manifestaba su opinión de sucesos como la sorpresiva muerte del escritor Carlos Fuentes en mayo de 2012.

“Uno a uno, mis amigos se van y yo aquí sigo esperando… Hasta siempre CarlosFuentes”, escribió en un mensaje al que añadió una foto de ella con el escritor.

Ni ese panorama la hacía sucumbir, pues la cantante nonagenaria aseguraba que aún tenía un camino que seguir.

“Me falta mucho, te puedo hacer un menú entero: empiezo por la sopa y termino por la sopas (sorpresas)”, bromeó desde su silla de ruedas. “Por el olvido y el recuerdo, así voy por el mundo. Mira cómo será la cosa que ya dejé de caminar, estoy pagando un tributo”. (Fuente: Terra.cl).

Tracks:
1. Soledad – 2:22
2. Rival – 3:50
3. Que Te Vaya Bien – 3:42
4. Piensa En Mi – 3:59
5. Santa – 4:17
6. Las Ciudades – 3:33
7. Acariciame – 5:04
8. Noches De Ahuatepec – 2:55
9. Peregrina – 3:41
10. Se Me Olvidó Otra Vez – 3:14

Mercedes Sosa – Cantora (2009)

Para saludar a las mamás de mi entorno, la mía propia, las madres de mis hijos, ex suegras y suegra actual, mis hermanas y amigas y las mamás  seguidoras del blog, qué mejor que recordar a la gran Mercedes Sosa, algo así como la madre de la música latinoamericana. Poco antes de morir, la Negra realizó este hermoso trabajo, con participación de grandes artistas, entre ellos nuestros recordados Luis Alberto Spinetta y Gustavo Cerati. Para muestra incluyo el video del tema compuesto por Cerati, Zona de Promesas, dedicado a su madre. Un emotivo encuentro entre estos dos grandes artistas con una bella canción, la que dedico a todas las mamis.  Un disco que no podía faltar en el blog.

Mercedes Sosa (* San Miguel de Tucumán, Argentina, 9 de julio de 1935 – Buenos Aires, Argentina, 4 de octubre de 2009) conocida como LaNegra Sosa o La Voz de América, fue una cantante de música folclórica argentina reconocida en América Latina y Europa, considerada como la principal cantante de Argentina.

Fundadora del Movimiento del Nuevo Cancionero y una de las exponentes de la Nueva canción latinoamericana. Incursionó en otros géneros como el tango, el rock y el pop. Se definía a sí misma como «cantora» antes que «cantante», en lo que fue una distinción fundamental de la nueva canción latinoamericana de la que ella fue una de las iniciadoras: «Cantante es el que puede y cantor el que debe» (Facundo Cabral). Ese ideal fue expresado por Mercedes Sosa en los títulos de sus álbumes como Canciones con fundamento y Yo no canto por cantar.

Entre las interpretaciones con que se ha destacado en el cancionero latinoamericano se encuentran Canción con todosAlfonsina y el mar,Gracias a la vidaComo la cigarraZamba para no morirLa mazaTodo cambiaDuerme negrito y Calle angosta. Entre sus discos se destacaron Canciones con fundamento (1965), Yo no canto por cantar (1966), Mujeres argentinas (1969), Homenaje a Violeta Parra (1971),Cantata sudamericana (1972), Mercedes Sosa interpreta a Atahualpa Yupanqui (1977), Mercedes Sosa en Argentina (1982), Alta fidelidad (1997) y su interpretación de la Misa criolla (2000). Su último trabajo es Cantora, lanzado poco antes de su muerte, un álbum doble donde interpreta 34 canciones a dúo con destacados cantantes iberoamericanos, y cierra con el Himno nacional argentino.

Tracklist:

Disco 1

1. Aquellas pequeñas cosas con Joan Manuel Serrat
2. Barro tal vez con Luis Alberto Spinetta
3. Sea con Jorge Drexler
4. Coração vagabundo con Caetano Veloso
5. La maza con Shakira
6. Zamba para olvidar con Diego Torres y Facundo Ramírez
7. Agua, cielo, tierra, fuego con Soledad Pastorutti
8. Celador de sueños con Orozco Barrientos y Gustavo Santaolalla
9. Sabiéndose de los descalzos con Julieta Venegas
10. Himno de mi corazón con León Gieco
11. Novicia con Victor Heredia
12. Zamba de los adioses con Duo Nuevo Cuyo
13. Nada con María Graña y Leopoldo Federico
14. Esa musiquita con Teresa Parodi
15. Romance de la luna tucumana con J. Quintero y L. Monti
16. Deja la vida volar con Pedro Aznar
17. Pájaro de rodillas con Nacha Roldán

Disco 2

01. Zona de Promesas (Gustavo Cerati)
02. Desarma y Sangra (Charly García)
03. Canción para un niño en la calle (Rene Perez/Calle 13)
04. Parao (Vicentico)
05. Zamba del cielo (Fito Paez)
06. Razón de vivir (Lila Downs)
07. El Angel de la bicicleta (Gustavo Cordera)
08. Violetas para Violeta (Joaquin Sabina)
09. Jamás te olvidaré (Marcela Morelo)
10. O que será (Daniela Mercury)
11. Cantame (Franco De Vita)
12. La Luna llena (Rubén Rada)
13. Canción de las cantinas (Alberto Rojo)
14. Donde termina el asfalto (Coqui Sosa)
15. Insensatez (Luis Salinas)
16. Misionera (Luiz Carlos Borges)
17. Y así y así (Luciano Pereyra)
18. Himno Nacional Argentino (Varios)

Varios artistas – Tributo Al flaco dale…gracias… y además (2007)

Para finalizar esta serie de posteos en homenaje a Luis Alberto Spinetta, este tributo de sus pares, los músicos. Un gran trabajo con magníficas versiones revisitadas por la savia nueva del rock.

Fabián Spampinato es el responsable de un homenaje a la obra de Luis Alberto Spinetta que es una verdadera obra de arte. Es una caja con tres discos y casi 60 canciones que recorren la totalidad de la carrera del genial músico y poeta argentino. La cita de Van Gogh lo resume todo: “todo lo que se hace por amor está bien hecho”, y este homenaje triple que pergeñó Fabián Spampinato desde la ciudad de Mar del Plata para la Argentina y el mundo es un ejemplo de que cuando las cosas se hacen con amor, inteligencia y ganas los resultados pueden llegar hasta a exceder los sueños más optimistas. Además de ser músico (militó en la legendaria banda local Tribemol entre otras) y ser la cabeza de la radio especializada en rock “D-Rock!” (en el dial 89.7 de la fm) Fabián se ha encargado de crear una hermosa obra dedicada a la carrera de Luis Alberto Spinetta que no se vende en disquerías ya que es a beneficio del comedor infantil local “Fueguitos”.

Además de la calidad musical del contenido, realmente sorprende la calidad del diseño, el packaging, el arte en general, que está a la altura de los mejores boxes de cds a nivel internacional. Colaboran además tres músicos que tocaron con Spinetta: Rodolfo García, Tommy Gubitsch y Javier Malosetti. Con motivo de su reciente edición Spampinato conversó con LA CAPITAL sobre su gran proyecto.

– ¿Cómo nace este proyecto?
– Todo comenzó en enero de 2005, desde la radio D’Rock ya habíamos sacado un disco, “Fuego Aliado”, también a beneficio del comedor “Fueguitos”, con la misma metodología que este, todos artistas argentinos, algunos marplatenses y con la suerte de que un músico tan prestigioso como el baterista inglés Bill Bruford (ex Yes, King Crimson y Genesis) nos cediera un tema. El grupo Cabezones participó de ese disco y charlando con su cantante, César Andino, surgió la idea de hacer un disco homenaje a Luis Alberto Spinetta. Entre enero y febrero de 2006 comenzamos con la producción del homenaje a Spinetta, tirando líneas, preguntando a bandas, etc. En marzo del 2006 César tiene el accidente con el bajista de Catupecu Machu y ahí se paró un poco el asunto, pero las otras bandas que ya me habían dicho que sí me empujaron para que siguiera adelante con el proyecto. La cosa fue tomando tanta dimensión, hubo tantas ganas de participar de la gente que de un cd común terminó transformándose en un triple.

– ¿Y cómo se transformó en semejante obra?, porque el homenaje terminó siendo una lujosa edición con tres cds.
– La idea inicial era la de sacar un disco con 14 ó 15 canciones, ocupando la mayor cantidad de espacio que permite un cd en minutos, pero enseguida se transformó en un doble. Y cuando el rebote siguió creciendo y estaba por transformarse en un triple me propuse saltar otra barrera. Y ahí me dije, ya que va a ser un triple vamos a contemplar toda la carrera de Spinetta, no algunas canciones, sino que haya testimonio de todos sus álbumes, desde el primero de Almendra hasta “Pan” su último trabajo editado, pasando por Pescado Rabioso, Invisible, Jade, etc. Y lo logramos, hay por lo menos una canción de cada uno de sus trabajos. Yo sinceramente veo esto lejos del tema del fanatismo tonto, lo veo como un revisionismo para un artista que está vivo, algo completo, la obra completa de Spinetta volcada en un trabajo.

Una de las cosas más interesante que tiene el homenaje es que si bien lo central es obviamente lo musical, hay detalles como lo de Tangalanga o los escritos de Artaud, los artistas plásticos, etc., que lo transforman en un verdadero hecho multiartístico.

Tratamos de hacer algo como ya no se hace, un verdadero objeto de arte, con el trabajo de artistas plásticos, actores, poetas, periodistas, extractos de la obra de genios como Van Gogh y Artaud que tanto han influido en la obra del flaco. Es una verdadera obra conceptual donde están presentes los que han influenciado a Spinetta y sus influenciados. La mayoría de los plásticos que acercaron sus cuadros para ilustrar cada canción pintan escuchando a Spinetta o se han sentido influidos por su obra de alguna manera. Hay cuatro poesías de Ricky Arriagada, hay algo del libro “Guitarra Negra”, está Tom Lupo recitando, actores marplatenses recitando a Artaud, el humor particular de Tangalanga.

– ¿Cómo se coordinó la elección de los temas a grabar?
– La mayoría las elegí yo, imaginate que si no ponías algún orden la mayoría iba a elegir de los discos más consagrados. Por supuesto que a los tipos más grossos como por ejemplo a Rodolfo García, que volvió a armar una banda para grabar en este proyecto, no le voy a decir qué tiene que hacer, o a Tommy Gubistch, pero luego había que coordinar porque de repente ya había cinco temas del disco Artaud y había que darles prioridad a otros discos. El flaco no es muy conocido para la gran mayoría de la gente y muchos de sus discos tampoco se conocen tanto así que, como te decía antes, la idea fue hacer un revisionismo de todos sus discos, hasta de “Only love can sustain” (risas).

Lo bueno es que están presentes temas eminentemente “spinetteanos” como Cantata de puentes amarillos, que no es muy conocido y mucho menos versionado.

– ¿Spinetta estuvo al tanto de este homenaje, lo autorizó de alguna manera?
– Si, nos dio permiso para hacerlo por intermedio de Rodolfo García. Si él no hubiera dado el okey no lo hubiéramos hecho, aunque lo hubiésemos intentado persuadir (risas), pero en definitiva todo habría quedado en intenciones, ya que no hay peor homenaje que el que no se acepta. (Fuente: http://ritosparalelos.blogspot.com)

Disco 1 
01- CIRSE – ALMA DE DIAMANTE
02- MARCELO MARÁN
03- LA CAJA – ELEMENTALES LECHES
04- LOS TIPITOS – UNA SOLA COSA
05- TRIBEMOL – LA HERIDA DE PARIS
06- CABALLERO REYNALDO- ALGO FLOTA EN LA LAGUNA
07- FINA ROPA BLANCA
08- MI SUENO DE HOY – RODOLFO GARCIA
09- ANDRES MASTRANGELO – TANINO
10- PANZA – LA LUZ DE LA MANZANA
11- DANIEL LAMBERTINI – ARTAUD
12- LEO GARCIA – POR
13- MARIA EVA ALBISTUR- LOS LIBROS DE LA BUENA MEMORIA
14- VALLE DE MUÑECAS- HOY TODO EL HIELO EN LA CIUDAD
15- JADE –COLOMBIA – DOS MURCIELAGOS
16- AUDIRE- JARDIN DE GENTE
17- NIKITA NIPONE – LAS HABLADURIAS DEL MUNDO
18- PAJARO INFLAMABLE – AH , BASTA DE PENSAR
19- NENE – JUGO DE LUCUMA
20- OSVALDO FAVROT – PLEGARIA PARA UN NINO DORMIDO
21- SUBTE- LA FLOR DE SANTO TOME

Disco 2 
01- VETAMADRE – SEGUIR VIVIENDO SIN TU AMOR
02- PALO PANDOLFO – ARIEL MINIMAL – LA BUSQUEDA DE LA ESTRELLA
03- TOM LUPO-DALE GRACIAS
04- LA RUEDA – DALE GRACIAS
05- LOS NATAS – PETERIBI
06- DURAZNO SANGRANDO – FERNANDO GIRAO DE GREGORIO
07- CLAVOS SIN CABEZA – CUENTA EN EL SOL
08- ANDRES RUIZ- EXTIENDETE UNA VEZ MAS
09- PROYECTO VERONA – PENUMBRA
10- EL ORBE – MARIBEL SE DURMIO
11- GINKGOBILOBA – LA SED VERDADERA
12- JAVIER BARRIA – Chile- CIENAGA DORADA
13- MARCELO MARAN –Dramaturgo-
14- JAVIER MALOSETTI – PARA IR
15- RESUMEN PORTENO- CANCION DE BAJO BELBRANO
16- SUPEREXTRA – POSEIDO DEL ALBA
17- ARTATTACK – TODA LA VIDA TIENE MUSICA HOY
18- ESPEJADA- CARLOS LAMBERTINI
19- SAMANTHA NAVARRO –Uruguay- CADA LUZ
20- LISANDRO ARISTIMUNO – NO TE BUSQUES YA EN EL UMBRAL
21- CABRERA MARCELO NAVARRO-CANTATA DE PUENTES AMARILLOS
22- DANIELA SPALLA –Córdoba- CHILDREN OF THE BELLS

Disco 3 
01- PRIVE – MUCHACHA OJOS DE PAPEL
02- NO LO SOPORTO-ELLA TAMBIEN
03- MAD – ME GUSTA ESE TAJO
04- FRANCISCO BOCHATON-NO TE ALEJES TANTO DE MI
05- EDUARDO ZANOLI
06- TOMAS GUBISCH – A ESTOS HOMBRES TRISTES
07- PINO –Mar del Plata- TODOS ESTOS ANOS DE GENTE
08- ANDRES RUIZ- EXTIENDETE UNA VEZ MAS
09- M. VITA – GUILLE GUDMANI – BARRO TAL VEZ
10- JUAN EL QUE CANTA –Uruguay- PARVAS
11- EZEQUIEL AVALOS
12- SAMALEA JUNTO A GINKGOBILOBA-AMENABAR
13- SIKARIOS – LO QUE NOS OCUPA ES ESA ABUELA, LA CONCIENCIA QUE REGALA EL MUNDO
14- SUR – SERA QUE LA CANCION LLEGO HASTA EL SOL
15- UBIKA – CREDULIDAD
16- CLUB ASTROLABIO – ABRAZAME INOCENTEMENTE
17- MARIA ELIA Y DIEGO PENELAS DUO – FUJI
18- DOMINGUEZ – CAMAFEO
19- BLUES MOTEL – TODAS LAS HOJAS SON DEL VIENTO
20- BABEL – España-COVADONGA
21- PLACARD – POSCRUCIFIXION
22- MIGUEL HUDECEK- Mar del Plata-QUEDANDOTE O YENDOTE
23- MARCELO MORAN
24- MARIANA BIANCHINI – ANDRES MASTRANGELO – A STAROSTA , EL IDIOTA

Spinetta – Spinetta y las Bandas Eternas (2009)

Al igual como le ocurrió a la Negra Sosa, el Flaco tuvo la visión premonitoria de un mega proyecto que resultó ser el último y de algún modo su testamento musical, donde se reúne por última vez con sus compañeros de viaje, en un concierto monumental. Al final incluimos los videos del show en forma íntegra, y el backstage con intervenciones del propio Luis. Todo de muy buen sonido y calidad visual. Esperamos que les guste.

Estimado lector, no espere encontrar aquí eso que llamamos “crónica de concierto”. Algo de eso hay, pero si a Spinetta le llevó 50 canciones y cinco horas y cuarto conseguir un recorte de sus 40 años de carrera (y en ese recorte dejó lugar a las lamentaciones por alguna inevitable ausencia), pretender que eso pueda ser aun resumido en estas líneas es una quimera. Una quimera como la que soñaba la Logia del Flaco hasta no hace tanto, la de qué lindo sería que…

El “sería” abandonó el modo condicional. Fue. La Historia grande del rock argentino dirá que Luis Alberto Spinetta conjuró a las Bandas Eternas en Vélez el 4 de diciembre de 2009, y que 37 mil personas abarrotaron el lugar (¿quién tuvo el atrevimiento de decir que una cancha de fútbol le quedaba grande?), y que la organización tuvo sus flojeras y las pantallas le servían de poco al de la popu, pero el sonido fue perfecto. Y a partir de ahí, el imposible: el adjetivo que se repite, la emoción intraducible en letras, la lágrima viva, el alma feliz al desnudo. Los ejemplos de música, de arte, de poesía, de sensibilidad, de belleza: ¿qué espíritu tan generoso habita a este tipo para que nos dé tanto, pero tanto?

La noche de Vélez fue un vaivén que deja tela para cortar por mucho tiempo. Hubo una primera parte en la que Luis fue del presente al primer Jade, y de allí a fines de los ’80, y de allí a los orígenes del rock argentino (Abuelo, Nebbia, Pappo), y al Jade de Bajo Belgrano, y un desfile de duetos con nenes como Fito Páez, Charly García y Gustavo Cerati (“Baaaajan”, se unían las dos voces hermanas, y el estadio se venía abajo: “Si hay un sueño cumplido, es éste”, cerró el ex Soda), canciones y más canciones de estatura inmensurable. Hubo una segunda parte que fue la conquista del corazón y del nervio, con Los Socios del Desierto preparando el terreno para la descomunal resurrección de Invisible y Pescado Rabioso, para volver a ver a Almendra, para cerrar cantando a los gritos que no hay razón para seguir viviendo sin tu amor, que yo quiero ver un tren, que no te alejes tanto de mí.

Pero como la descripción no alcanza hay que recurrir a los ejemplos, a algo que sirva para la vana intención de definir tanta magia. Detenerse un momento en el Spinetta más íntimo, el que de sobrepique nomás, apenas después del incendio rockero de “Tu vuelo al fin”, llamó a Diego Rapoport. Y el dúo de Kamikaze soltó “Ella también” y “Umbral” y provocó el silencio más profundo, más estremecedor, para escuchar caer las lágrimas, para que la luna quisiera asomarse al Amalfitani y mojarse los pies. O al Spinetta que convocó a otro socio de las teclas, el Mono Fontana, para reeditar la experiencia con “Al ver verás” y “¿No ves que ya no somos chiquitos?”; o a Leo Sujatovich, para detener el tiempo otra vez con “Era de uranio”, “Vida siempre” y “Maribel se durmió”. O conceder un segundo al recuerdo de “Alma de diamante” con Juan Del Barrio y “Cementerio Club” con Gustavo Spinetta a la batería, y seguir llenando casilleros de deseos íntimos cumplidos.

La belleza en estado puro: Luis Alberto Spinetta, casi 60 años, entero, la voz con el terciopelo de siempre y la rugosidad que supo conseguir. Alto, flaco y con una guitarra roja, cada vez más enorme en un escenario que se iba empequeñeciendo a medida que dejaba caer canciones.

¿Y no deberían muchos integrantes de la patria rockera tomar debida nota de lo que sonaron Invisible y Pescado? Apenas repuesto de los cachetazos sonoros de Spinetta / Marcelo Torres / Javier Malosetti –que cerraron con un “Nasty people” hendrixianamente contundente–, el público vio subir a Machi Rufino y a Pomo Lorenzo y no terminaba de asimilar la idea cuando ya sonaba “Durazno sangrando”, y el bajista sumaba una voz en perfecta sintonía con la de Luis. Si ése era un número puesto, lo que vino tuvo el sabor de las elecciones acertadas: “Jugo de lúcuma”, “Lo que nos ocupa es esa abuela, la conciencia que regula el mundo” y “Niño condenado”. Ya era demasiado. No sólo por los temas elegidos, sino por la contundencia y elegancia con la que el trío saltó 33 años de silencio, ganó el escenario y mostró una presencia en toda la regla que aun ahora, horas después, crispa la piel.

Y crispación eléctrica era lo que Pescado tenía para ofrecer, el set más largo, con siete títulos que visitaron la soñadora psicodelia de “Hola dulce viento” y “Serpiente (viaja por la sal)”, la urgencia dramática de “Poseído del alba”, la sutileza de “Credulidad” y un bloque demoledor, con “Despiértate, nena” y David Lebon descosiendo la viola y Cutaia sacándole humo al Hammond, y “Me gusta ese tajo” y “Post crucifixión” convertidos en Posgrado de Rock. La banda del alba de los ’70 llegó al siglo XXI como un tanque de distorsión, furia y adrenalina.

“Hay más, ustedes tienen un aguante…”, dijo el Flaco, con el humor que correspondía a semejante noche, que le hizo admitir la repetición de “genio” y “capo” al presentar a los invitados y reírse de ello. “No te mueras nunca”, gritó uno. “Vos tampoco –respondió Luis, que ya no se enoja por esas frases–. Si no, nunca te vas enterar de que no me morí.” Y Edelmiro, Rodolfo y Emilio ya estaban subiendo al escenario, como a fines de los ’60, como a fines de los ’70, a fines de los 2000. Para volar con “Color humano” y “A estos hombres tristes”, para que Del Guercio se luciera con “Fermín”, para honrar a “Hermano perro” como única ajena al debut de 1969 y cerrar con un círculo íntimo para “Muchacha (ojos de papel)” a cuatro voces.

Para qué seguir. Usted, lector, que estuvo allí, sabe que es difícil encontrar las palabras para describir lo vivido. Usted, lector, que no estuvo allí, también lo sabe. Saben que semejante combinación de belleza, vuelo, emoción, excelencia musical, compromiso con el arte entendido como pura pasión, terminan fluyendo a la misma palabra que cierra todo.

Inenarrable. Por Eduardo Fabregat. Fuente: www.pagina12.com.ar

Tracklist:

01 – Presentación
02 – Mi elemento
03 – Tu vuelo al fin (c/ Baltasar Comotto)
04 – Ella tambien (c/ Diego Rappoport)
05 – Umbral (c/Diego Rapopport)
06 – Fina ropa blanca
07 – La bengala perdida (c/ Mono Fontana)
08 – Sombras en los alamos (c/Juan Del Barrio)
09 – Alma de diamante (c/ Juan Del Barrio)
10 – Cisne
11 – Al ver veras (c/Mono Fontana)
12 – No ves que ya no somos chiquitos? (c/ Mono Fontana)
13 – Cielo de ti (c/ Javier Malosetti)
14 – Las cosas tienen movimiento (c/ Fito Páez)
15 – Asilo en tu corazon (c/ Fito Páez)
16 – Mariposas de madera
17 – El rey lloro (c/Beto Satragni)
18 – Adonde esta la libertad? (c/ Juanse)
19 – Te para tres (c/ Gustavo Cerati)
20 – Bajan (c/ Gustavo Cerati y Gustavo Spinetta)
21 – Cementerio club (c/Gustavo Spinetta)
22 – Era de Uranio (c/Leo Sujatovich)
23 – Vida siempre (c/Leo Sujatovich)
24 – Maribel se durmio (c/Leo Sujatovich)
25 – Necesito un amor (c/Dante y valentino Spinetta)
26 – Filosofia barata y zapatos de goma
27 – Rezo por vos (c/Charly García)

Spinetta y Los Socios “del Concierto”: Marcelo Torres y Javier Malosetti
28 – San Cristoforo
29 – Bosnia
30 – Nasty people

Invisible: Spinetta-Machi-Pomo
31 – Durazno sangrando
32 – Jugo de lucuma
33 – Lo que nos ocupa es esa abuela la conciencia
34 – Niño condenado
35 – Amor de primavera (c/Lito Epumer)

Pescado Rabioso: Spinetta-Black Amaya-David Lebón-Carlos Cutaia-Guillermo Vadalá 36 – Poseido del alba
37 – Hola dulce viento
38 – Serpiente viaja por la sal
39 – Credulidad
40 – Despiertate nena
41 – Me gusta ese tajo (c/ Bocón Frascino)
42 – Postcrucifixion (c/ Bocón Frascino)

Almendra: Spinetta-Edelmiro Molinari-Emilio del Güercio-Rodolfo García
43 – Color humano
44 – Fermin
45 – A estos hombres tristes
46 – Hermano Perro
47 – Muchacha ojos de papel

48 – 8 de octubre (c/Ricado Mollo)
49 – Retoño
50 – Seguir viviendo con tu amor (c/Mono Fontana y Baltasar Comotto)
51 – Quiero ver un tren (c/ Mono Fontana Nico Cotta y Javier …)
52 – No te alejes tanto de mí

 

 

Pescado Rabioso – Artaud (1973)

Artaud es el nombre del álbum de Luis Alberto Spinetta, lanzado en 1973. El disco fue acreditado a la banda Pescado Rabioso, por razones complejas, pero el disco fue elaborado y grabado por Spinetta como solista, quién a su vez recurrió a la colaboración de su hermano, Carlos Gustavo Spinetta, Rodolfo García y Emilio del Guercio, estos dos últimos ex compañeros de Spinetta de la banda Almendra.

El título del álbum hace referencia al poeta francés Antonin Artaud, debido a que el concepto del álbum está influenciado por su obra y expresa la reacción de Spinetta ante la misma.

Se trata de una de las obras culminantes de la música latinoamericana, considerada en reiteradas oportunidades, no solo como el mejor disco de Spinetta, sino también del rock argentino. En el año 2007 la revista Rolling Stone de Argentina lo ubicó en el primer lugar de su lista de los 100 mejores álbumes del rock argentino.

Pescado Rabioso, la banda Spinetta había formado a fines de 1971, se separó a mediados de 1973 en el teatro Planeta. Sus integrantes no aceptaban ni entendían la visión musical que estaba desarrollando Luis Alberto y simplemente dejaron de responder a su convocatoria hasta que se quedó solo. Spinetta entonces siguió solo, con los proyectos que venía desarrollando para Pescado Rabioso: “Pescado Rabioso era yo”. Así surgió Artaud, una de las obras cúspides de la música latinoamericana.

“Él empezó a perfilarse para otro lugar, una mano más arreglada tipo lo que después fue Invisible. A lo último escribía un tema y yo no lo entendía; estaba leyendo mucho a Artaud, Rimbaud. Primero se fue Cutaia, después David y después yo. El flaco se quedó solo, sentado en una butaca de la sala Planeta, se sintió abandonado porque quería seguir tocando con Pescado, y me dijo que no iba a tocar nunca más conmigo. Como se quedó solo y quedaba pendiente grabar un disco más con Microfón, grabó Artaud con los temas que tenía para Pescado Rabioso; cuando escuché Artaud me quería matar. (Black Amaya).

El disco fue concebido en un momento crucial de la historia sudamericana, de alta violencia política, en el que comenzaban a instalarse dictaduras civico-militares, coordinadas entre sí por medio del Plan Cóndor y apoyadas por Estados Unidos, que anularían completamente la vigencia de los derechos humanos durante dos décadas. Argentina en particular había conseguido que la dictadura autodenominada Revolución Argentina, convocara ese año a elecciones libres, por primera vez en casi dos décadas. El voto popular había dado el triunfo en marzo y por un amplio margen al peronismo, movimiento con el que simpatizaba Spinetta. Pero el gobierno democrático no alcanzaría a consolidarse afectado por violentas confrontaciones que llevarían a su derrocamiento a comienzos de 1976 y a la instalación de una cruenta dictadura que se mantendría en el poder hasta fines de 1983 y que cometería un genocidio y llevaría el país a una guerra, la Guerra de Malvinas.

Por otra parte, ese momento histórico coincide a su vez con un momento decisivo de la vida personal de Spinetta, en el que conoce a Patricia Salazar, con quien formará una pareja estable durante casi 25 años y con quien constituirá una familia con cuatro hijos comunes. La letra del tema “Por” del álbum Artaud -compuesta por una sucesión de palabras sueltas, todos sustantivos con excepción de la preposición “por” que cierra el poema y da título a la canción-, fue escrita de manera conjunta entre los dos.

En esa encrucijada histórico-cultural y personal aparece Artaud, inspirado precisamente en el sufrimiento y las emociones de rechazo que la poesía del escritor francés Antonin Artaud, produjeron en Spinetta. El músico relacionaba ese momento del país, con el anarquismo suicida de la poesía de Artaud, con el nihilismo del rock expresado en las drogas y la “promiscuidad sin sentido”, y lo sentía incompatible con su propia visión del rock -expresada en el Manifiesto que Spinetta publica simultáneamente con el disco- y de la vida. Dice el propio Spinetta: 

“Pero antes que nada te quiero aclarar que yo le dediqué ese disco a Artaud pero en ningún momento tomé sus obras como punto de partida. El disco fue una respuesta –insignificante tal vez– al sufrimiento que te acarrea leer sus obras. La idea del álbum era exponer la posibilidad de un antídoto contra lo que opinó Artaud. Quien lo haya leído no puede evadirse de una cuota de desesperación. Para él la respuesta del hombre es la locura; para Lennon es el amor. Yo creo más en el encuentro de la perfección y la felicidad a través de la supresión del dolor que mediante la locura y el sufrimiento. Creo que sólo si nos preocupamos por sanear el alma vamos a evitar distorsiones sociales y comportamientos fascistas, doctrinas injustas y totalitarismos, políticas absurdas y guerras deplorables. La única forma de hacer subir el peso es con amor. Los músicos de rock somos tipos que estamos muy desorientados. Hemos involucrado mucho a nuestro sistema neurológico y hemos aprendido muy poco de la historia reciente. Pero hay algo claro: no podemos jugar a ser Artaud. Eso significaría no haber entendido a Moris, no haber entendido a Lito Nebbia, no haber pescado una. Si yo no hubiera aprendido a salir de ésa y ubicarme en mi país, no estarías conmigo en este momento: Spinetta sería apenas un nombre en una chapita de bronce, chorreada de caca, en la inmensidad de algún cementerio”.

La obra fue presentada en dos recitales que Spinetta realizó solo en el Teatro Astral, en octubre de ese mismo año. En esos recitales dió a conocer un Manifiesto titulado Rock: música dura, la suicidada por la sociedad. Allí expone su propia concepción del rock, vinculada a un estado de plenitud interior, y su rechazo a la visión nihilista del rock, focalizada en el sexo y las drogas duras. (Fuente: Wikipedia).

Lista de temas

  1. Todas las hojas son del viento – 2′ 12
  2. Cementerio Club – 4′ 55
  3. Por – 1′ 45
  4. Superchería – 4′ 21
  5. La sed verdadera – 3′ 32
  6. Cantata de puentes amarillos – 9′ 12
  7. Bajan – 3′ 26
  8. A Starosta, el idiota – 3′ 15
  9. Las habladurías del mundo – 4′ 03

Músicos

  • Luis Alberto Spinetta: Guitarras, Maracas, Platillos, Piano y voz.
  • Carlos Gustavo Spinetta: Batería en Cementerio Club y Bajan.
  • Rodolfo García: Batería, Cencerro y coros en Superchería y Las habladurías del mundo.
  • Emilio del Guercio: Bajo y coros en BajanCementerio ClubSuperchería y Las habladurías del mundo.